História da Arte – Raphael Sanzio – A Madona da Sistina

Uma das pinturas mais famosas de todos os tempos tem sua casa em Dresden. Como a “Mona Lisa” de Leonardo em Paris ou o “Nascimento de Vênus” de Botticelli em Florença, a “Madona Sistina” de Rafael foi memorizada em nossa memória cultural.

“The Sistine Madonna”, também chamada de “The Madonna di San Sisto”, é uma pintura a óleo do artista italiano Raphael Sanzio. A tela foi uma das últimas Madonas pintadas por Raphael.
Giorgio Vasari chamou de “uma obra verdadeiramente rara e extraordinária”.

A pintura foi transferida para Dresden em 1754 e é bem conhecida por sua influência na cena artística alemã e russa. Após a Segunda Guerra Mundial, foi transferido para Moscou por uma década antes de ser devolvido à Alemanha.
A encomenda: A “Madona Sistina” quase certamente foi encomendada diretamente pelo Papa Júlio II.

Em julho de 1512, o Vaticano recebeu a notícia de que a cidade de Piacenza, no norte da Itália, havia aderido aos Estados Papais. Supõe-se que este evento levou o Papa a encomendar a pintura.
A “Madona Sistina” destinava-se à igreja do mosteiro de San Sisto, em Piacenza, à qual o Papa estava associado devido aos estreitos contactos familiares.
Raphael provavelmente já havia concluído a obra na época da morte do Papa em fevereiro de 1513.

A pintura: A “Madona Sistina” é uma das obras-primas do Renascimento mais famosas do mundo. Retrata uma visão aparecendo aos santos nas nuvens.
No centro da imagem, a Virgem caminha em direção ao reino terreno, segurando o Menino Jesus nos braços.
Do firmamento dos céus, sugerida pelas incontáveis ​​cabeças de anjos pintadas em azul celeste, ela carrega o Menino Jesus ao mundo. O Papa Sisto II, um mártir do século III, ajoelha-se do lado esquerdo da imagem, mostrando-lhe o caminho.
No lado direito está a figura ajoelhada de Santa Bárbara, que também sofreu o martírio no século III.
Estes dois santos eram venerados no altar-mor da igreja do mosteiro de San Sisto em Piacenza, razão pela qual o artista os incluiu na pintura.
Os dois querubins bonitos empoleirados na balaustrada na parte inferior da imagem foram adicionados por Raphael no final do processo de pintura, principalmente por razões de composição.

                       

Uma breve introdução a Caravaggio, o mestre da luz

Como muitos grandes artistas, a sorte de Michelangelo Merisi da Caravaggio aumentou e caiu dramaticamente. Após sua morte, possivelmente de sífilis ou assassinato, sua influência se espalhou pelo continente à medida que seguidores chamados Caravaggisti usavam o claro-escuro no exterior.

Ele influenciou Rubens, Rembrandt e Velázquez – na verdade, todo o período barroco na história da arte europeia provavelmente nunca teria acontecido sem ele. “Com exceção de Michelangelo”, escreveu o historiador da arte Bernard Berenson, “nenhum outro pintor italiano exerceu uma influência tão grande”.

Mas os críticos posteriores atacaram violentamente seu realismo hiper-dramático e de alto contraste. Seu estilo, chamado de “tenebrismo” pelo uso de escuridão profunda em pinturas como A Chamada de São Mateus, é chocante em comparação com o maneirismo fantasioso que veio antes. No vídeo acima, Evan Puschak, o Nerdwriter, explica o que torna o trabalho de Caravaggio tão estranhamente hiperreal.

Ele “preferia pintar seus temas como os olhos os vêem”, escreve a Fundação Caravaggio, “com todas as suas falhas e defeitos naturais, em vez de como criações idealizadas. Essa mudança da prática padrão e do idealismo clássico de Michelangelo foi muito controversa na época…. Seu realismo foi visto por alguns como inaceitavelmente vulgar. ”

Também polêmico foi o próprio Caravaggio. Sua vida selvagem se tornou um tema ideal para o filme biográfico de arte de Derek Jarman de 1986, estrelado por Tilda Swinton. Famoso por brigas, “as transcrições de seus registros policiais e processos de julgamento ocupam várias páginas”. Ele nunca se casou ou se estabeleceu e o erotismo masculino em suas pinturas levou muitos a sugerir que ele era gay.

(O filme de Jarman torna isso uma parte explícita de sua biografia.) É provável, pensam os historiadores da arte, que o pintor teve muitos relacionamentos tumultuosos, sexual ou não, com homens e mulheres antes de sua morte prematura aos 38 anos.

Apesar de sua vida profana, as pinturas de Caravaggio evidenciam uma “espiritualidade notável” e ilustram, como observa Puschak, exatamente o tipo de intensidade apaixonada que a Igreja Católica contra-Reformada queria usar para estimular os fiéis. A popularidade de Caravaggio significou encomendas de patrocinadores ricos e, por um tempo, ele foi o pintor mais famoso de Roma, bem como um dos personagens mais famosos da cidade. Caravaggio pintou da vida, encenando seus arranjos intrincados com modelos reais que seguravam as poses enquanto ele trabalhava.

Suas figuras eram pessoas comuns que poderiam ser encontradas nas ruas da cidade do século 17. E o próprio Caravaggio, apesar de seu enorme talento, também era uma pessoa comum, deixando de lado os estereótipos de gênios trágicos e torturados. Ele era profundamente falho, é verdade, mas impulsionado por um desejo incrível de se tornar algo maior.

História da Arte – Os Pintores do século 16

O século 16 começa com o ano juliano de 1501 e termina com o ano juliano ou gregoriano de 1600 (dependendo do cálculo usado; o calendário gregoriano introduziu um lapso de 10 dias em outubro de 1582).

O século 16 é considerado pelos historiadores como o século em que ocorreu a ascensão do Ocidente. Durante o século 16, Espanha e Portugal exploraram os mares do mundo e abriram rotas comerciais oceânicas em todo o mundo.
Grandes partes do Novo Mundo tornaram-se colônias espanholas e portuguesas, e enquanto os portugueses se tornaram donos do comércio da Ásia e da África no Oceano Índico, os espanhóis abriram o comércio através do Oceano Pacífico, ligando as Américas à Ásia.

Francesco Bacchiacca – Pintor Renascentista

Esta era de colonialismo estabeleceu o mercantilismo como a principal escola de pensamento econômico, onde o sistema econômico era visto como um jogo de soma zero, em que qualquer ganho de uma parte exigia a perda de outra.
A doutrina mercantilista encorajou as muitas guerras intra-européias do período e, sem dúvida, alimentou a expansão europeia e o imperialismo em todo o mundo até o século 19 ou início do século 20.

Paolo Veronese

• Na Europa, a Reforma Protestante deu um grande golpe na autoridade do papado e da Igreja Católica Romana.
A política europeia tornou-se dominada por conflitos religiosos, com as bases para a épica Guerra dos Trinta Anos sendo lançadas no final do século.
• Na Itália, Luca Pacioli publicou o primeiro trabalho de contabilidade e Galileo Galilei fez o primeiro termômetro.
• Na Inglaterra, o italiano Alberico Gentili escreveu o primeiro livro sobre direito internacional público e dividiu o secularismo do direito canônico e da teologia católica romana.

Benvenuto Cellini – Perseus com a Cabeça da Medusa, 1554
Loggia dei Lanzi, Florença

• No Oriente Médio, o Império Otomano continuou a se expandir, com o Sultão assumindo o título de Califa, enquanto lidava com uma Pérsia ressurgente.
• O Irã e o Iraque foram pegos pela grande popularidade da seita xiita do islamismo sob o governo da dinastia safávida de guerreiros místicos, proporcionando bases para uma Pérsia independente da maioria do mundo muçulmano sunita.
• A China evacuou as áreas costeiras, por causa da pirataria japonesa.
• O Japão estava sofrendo uma severa guerra civil na época, conhecida como período Sengoku.
• Em outro lugar na Ásia, o Imperador Mughal Akbar estendeu o poder do Império Mughal para cobrir a maioria das terras do sul do continente. Seu governo influenciou significativamente as artes e a cultura da região.
• Copérnico propôs o universo heliocêntrico, que encontrou forte resistência, e Tycho Brahe refutou a teoria das esferas celestes por meio da medição observacional do aparecimento de uma supernova da Via Láctea em 1572.
Esses eventos desafiaram diretamente a noção de longa data de um universo imutável apoiado por Ptolomeu e Aristóteles, e levaram a grandes revoluções na astronomia e na ciência.

Benvenuto Cellini – Escultor do período Barroco/Manerista

August Renoir – Pinturas

Renoir foi um pintor francês que iniciou o desenvolvimento do movimento impressionista. Conhecido por celebrar a beleza e, especialmente, a sensualidade feminina, diz-se que Renoir é o último representante de uma tradição herdada diretamente de Rubens e terminando com Watteau.


Madonna e o menino: como a dupla divina inspirou artistas por séculos

Imagens da Madona e do Menino – um título que normalmente denota uma representação visual da Virgem Maria e de seu filho Jesus, estão entre os motivos mais elogiados da pintura.

Originalmente uma prática devocional antiga decorrente de crenças bíblicas, representar artisticamente essas figuras se tornou um tema central no cânone da história da arte.

Dada a sua longevidade, não é de admirar que a tradição tenha evoluído ao longo do tempo, culminando em uma série de obras que variam de ícones divinos a retratos realistas. Somente observando o papel do motivo ao longo da história é que é possível entender completamente seu significado – tanto na arte cristã quanto além.

Quem eram Maria e Jesus?

Segundo a crença cristã, Maria – uma judia galileana de Nazaré – foi escolhida por Deus para dar à luz seu único filho, Jesus. A Bíblia enfatiza o fato de que Maria era virgem, impregnada não por seu noivo, José, mas pelo Espírito Santo – um fenômeno que, segundo o Evangelho de Lucas, perplexa até a própria Maria.

“Como isso vai acontecer?” ela perguntou a Gabriel, um mensageiro arcanjo enviado por Deus para lhe contar as novidades. “Eu ainda sou virgem!” O anjo respondeu: “O espírito santo virá sobre você. . . e o poder do Altíssimo o obscurecerá. Por essa razão, o santo que nasceu de você será chamado Filho de Deus. ”

Maria concordou em levar, nascer e ressuscitar Jesus. Juntos, o casal está entre as figuras mais veneradas do cristianismo, não surpreendendo sua presença perpétua na arte.

A Madona e o Menino na História da Arte

ROMA ANTIGA

“Virgem e Menino com Balão, o Profeta”, na catacumba de Priscila, em Roma, no final do século II (Foto: Wikimedia Commons [Public Domain])

Como muitas outras tendências da história da arte, a Madonna (derivada do termo italiano para Nossa Senhora) e a tradição infantil remontam ao Antigo Império Romano.
O retrato visual mais antigo conhecido de Maria e do menino Jesus pode ser encontrado na Catacumba de Priscila, uma pedreira usada para enterros cristãos no final dos séculos 2 a 4. Esta catacumba é comemorada por suas antigas pinturas de parede e teto, incluindo uma coleção inspirada na Bíblia. Além das histórias do Antigo Testamento, incluindo a Encadernação de Isaac e o Juízo Final, os afrescos em sua Câmara Grega contam histórias do Novo Testamento – incluindo, é claro, o nascimento de Jesus.

A Catacumba de Priscila também provavelmente apresenta o retrato mais antigo conhecido de um anjo na história da arte. Juntos, esses “primeiros” o tornam um dos sites mais importantes da arte cristã.

BIZÂNCIO

Ícone da Virgem e Menino entronizados com santos e anjos no mosteiro de Santa Catarina, século VI (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Após sua estréia no afresco, Madonna e Child se materializaram como pinturas encáusticas (à base de cera) e tempera (à base de gema de ovo). Renderizados em painéis de madeira, esses ícones católicos romanos geralmente apresentam Maria e Jesus de rosto sombrio, sentados em um trono e ladeados por santos e anjos igualmente sérios. Eles eram predominantemente usados para adoração e estão entre as obras mais predominantes da arte bizantina.

EUROPA MEDIEVAL

Duccio, “Madonna e Criança”, ca. 1300 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Na Idade Média, os artistas adotaram a estética do ícone bizantino para criar seu próprio estilo de pintura em painel. Pintores italianos como Cimabue e Duccio criaram retratos temperados de Maria e Jesus, baseados no modelo bizantino – especialmente planos planos, poses sentadas e o uso de folha de ouro, um meio cuja popularidade diminuiu à medida que o Renascimento se aproximava.

BAIXO RENASCIMENTO ITALIANO

Filippo Lippi, “Madonna Com Criança e Dois Anjos”, ca. 1460-1465 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

No século XV, pintores e desenhistas italianos começaram a experimentar o realismo em seus trabalhos. Essa abordagem inaugurou o início do Renascimento, uma era de arte iluminada que durou de 1400 a 1490. Durante esse período, os artistas voltaram-se para os tempos antigos, culminando em um corpo de trabalho que evoca interesses clássicos. Enquanto muitas obras-primas do período – incluindo Primavera e O nascimento de Vênus por Botticelli – mantiveram o assunto mitológico preferido pelos artistas clássicos, algumas apresentam representações naturalistas de Maria (que parecia adotar poses mais engajadas) e Jesus (que começou a parecer mais bebê).

MÉDIO RENASCIMENTO

Jan van Eyck, “Madonna na Igreja” 1438 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Os ideais italianos gradualmente atravessaram o continente, culminando em um renascimento do norte. Sediado nos Países Baixos (Holanda e Bélgica), Alemanha, França e Inglaterra, esse movimento compartilha a preferência do Renascimento Italiano pela pintura realista. Em suas impressões sobre Madonna e Child, artistas como Jan Van Eyck e Robert Campin adotaram essa nova abordagem, resultando em trabalhos que mostram um senso avançado de perspectiva, métodos hábeis de pintura de figuras e um interesse radical em cenários terrestres.

Alto Renascimento

Rafael, “Madonna do Pintassilgo”. ca. 1505-1506 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Durante o Alto Renascimento (1490 a 1527), Michelangelo, Leonardo da Vinci, Rafael e outros artistas italianos levaram esse interesse renovado ao realismo a novas alturas. Não mais interessados em motivos mitológicos, eles mudaram seu foco para retratos encomendados, estudos anatômicos realistas e figuras bíblicas – incluindo Madonna e Criança cada vez mais pessoal e naturalista.

IMPÉRIO MUGHAL

“Folha Única da Virgem e do Menino”, 1600-1625 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

A Madonna e a Criança não apareceram apenas na arte ocidental – elas também serviram como musa na pintura de Mughal. Por que figuras cristãs clássicas apareceriam na arte indo-islâmica? De acordo com o Metropolitan Museum of Art, no século 16, “numerosos assuntos cristãos foram copiados por artistas indianos que trabalhavam nas bíblias, gravuras e pinturas ilustradas que foram levadas à corte de Mughal por missionários jesuítas e comerciantes europeus”. Além disso, as próprias figuras estão presentes de maneira proeminente no Alcorão e no próprio Islã; Acredita-se que Maria seja “acima de todas as mulheres da criação”, enquanto Jesus é visto como o penúltimo profeta e mensageiro de Allah.

FRANÇA NEOCLASSICA

William-Adolphe Bouguereau, “Madonna with Child”, 1899 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Essa iconografia permaneceu popular durante todo o período neoclássico, um movimento inspirado no senso de equilíbrio da arte clássica e no foco na figura humana. Enquanto pintores como William-Adolphe Bouguereau tentavam modernizar assuntos mais antigos – incluindo Madonna e Child, que ele imaginava figuras do século XIX em um ambiente estilizado -, seus contemporâneos já estavam elaborando interpretações cada vez mais avant-garde.

ARTE MODERNA E CONTEMPORÂNEA

Mary Cassatt, “Mãe e Filho (Oval Mirror)”, ca. 1899 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Na virada do século XIX, a impressionista Mary Cassatt, nascida nos Estados Unidos, subverteu sutilmente os critérios tradicionais de Madonna e Child com Mãe e Filho (The Oval Mirror). À primeira vista, esta peça encantadora se parece com muitos outros retratos maternos de Cassatt. O que diferencia a pintura, no entanto, são algumas referências particularmente discretas. “O olhar de adoração da mulher e o rosto doce e a posição contrária do menino sugerem imagens da Renascença Italiana da Virgem e do Menino”, explica o Metropolitan Museum of Art, “uma conexão reforçada pelo espelho oval que emoldura a cabeça do menino como uma auréola”.

Allan D’Arcangelo, “Madonna and Child”, 1963 (Foto: Wally Gobetz [CC BY-NC-ND 2.0])

Seguindo os passos de Cassatt, artistas modernos e contemporâneos adotaram e adaptaram o conceito de Madonna e Child. Em 1942, Marc Chagall criou A Madona da Vila, uma representação sonhadora de Maria e Jesus flutuando em uma fantasia. Em 1949, Salvador Dalí quebrou a familiar iconografia com A Madonna de Port Lligat. E em 1963, Allan D’Arcangelo deu um toque de pop art ao par com sua Madonna e Child, um retrato gráfico do “ícone” Jackie Kennedy e sua filha Caroline.
Além de mostrar seus próprios poderes criativos, esses artistas inovadores revelaram uma verdade importante sobre Madonna e Child: a iconografia milenar pode ser triunfantemente atemporal.