Los olvidados,2019 – Acrílico/papel – 58×79
Príncipe,2019 – Acrílico/tela – 60 x 80 cm 
Amargo de coyote – Acrílica sobre pape,2019 – 38 x 39 cm 
Corps Perdus III,2019 – Acrílica sobre papel – 30 x 24 cm 
Corps Perdus II,2019 – Acrílica sobre papel – 30 x 24 cm 
Dead End I,2019 – fusain sur papier – 65 x 50 cm 
Corps Perdus I,2019 – Acrílica sobre papel – 30 x 24 cm 
Embora associado aos impressionistas e Édouard Manet em particular, Fantin-Latour permaneceu um pintor acadêmico tradicional ao longo de sua carreira.
Nascido em 14 de janeiro de 1836 em Grenoble, na França, estudou na École des Beaux-Arts e copiava pinturas do Velho Mestre no Louvre.
As obras de Fantin-Latour estão nas coleções do Instituto de Arte de Chicago, no Hermitage Museum em São Petersburgo, no Metropolitan Museum of Art em Nova York, no Musée d’Orsay em Paris, no Rijksmuseum em Amsterdã e na Tate Gallery em Londres, entre outros.
Ele morreu em 25 de agosto de 1904 em Buré, França.
Desdenhando o racionalismo e o realismo literário, e fortemente influenciados pela psicanálise, os surrealistas acreditavam que a mente racional reprimia o poder da imaginação, sobrecarregando-a com tabus. Influenciados também por Karl Marx, eles esperavam que a psique tivesse o poder de revelar as contradições no mundo cotidiano e estimular a revolução.
Sua ênfase no poder da imaginação pessoal os coloca na tradição do romantismo, mas, diferentemente de seus antepassados, eles acreditavam que as revelações podiam ser encontradas nas ruas e na vida cotidiana.O impulso surrealista de explorar a mente inconsciente, e seus interesses no mito e no primitivismo, moldaram muitos movimentos posteriores, e o estilo permanece influente hoje em dia.
A Noite de Spilliaert, 1908“Um espectro de cartola” passa pela colunata neoclássica à beira-mar de Oostende em The Night, 1908, de Spilliaert. Fotografia: Vincent Everarts / Coleção do Estado belga, depositado no Musée d’Ixelles, Bruxelas.
Crepúsculo em Ostende, e um manto preto desce sobre o farol sinistro. O horizonte está começando a desaparecer, a costa diminui para um brilho. A cidade permanece quieta, mas no mar as ondas agitam como um dorminhoco perturbado por sonhos perigosos. E é aqui que estamos, onde a imagem nos coloca – aqui na escuridão que se afoga.
Leon Spilliaert, Sea, 1909O artista belga Léon Spilliaert (1881-1946) provavelmente não tinha mais de 20 anos quando fez essa imagem assustadora, usando tinta preta diluída, pincéis e lápis de cor. Parece que ele estava ali na ressaca. A força da maré durou a vida inteira para Spilliaert, que patrulhava esse trecho da costa todos os dias, caminhando pelas areias de Oostende antes do amanhecer, ao entardecer e à meia-noite. Ele conhecia esse mar de cor.
Poucos conheciam seu trabalho até alguns anos atrás, exceto por um único auto-retrato no qual ele aparece como um fantasma em uma sala sepulcral e uma casa solitária refletindo o preto em um dique crepuscular. Perce-se apenas o sentido mais perigoso de sua vida ou datas.
A maioria dos artistas europeus do período não consegue resistir a guarda-sóis, velas ou crianças remando. Claro que havia Turner, do primeiro ao último.
Um artista que vê a praia como um palco do qual as pessoas podem desaparecer repentinamente. As praias de Spilliaert não são apenas dramaticamente vazias, elas parecem ter a sensação de uma presença desaparecida, de inquietação e até ameaça.
Suas pinturas pareciam tão atemporais quanto as linhas da costa – areia, mar e céu em faixas sucessivas de abstração. E ele os levou ainda mais longe do esplendor marinho que associamos aos prazeres do litoral à terra monocromática da noite.
Leon Spilliaert, House on Sea, 1903Era lá que o próprio Spilliaert gostava de morar, ou assim me parece naquele auto-retrato surpreendente que está no Metropolitan Museum de Nova York. Ali está o jovem Spilliaert, com sua marca registrada e seu terno estreito, sentado com uma prancheta diante de um espelho que mostra paredes desmembradas, janelas pretas e outro espelho escuro atrás dele: um espectro em uma caixa de sombras.
Léon Spilliaert – Um espectro em uma caixa de sombras, 1907
Auto-retrato com prancheta – Foto MoMa
Mas olhar para suas praias em algo que não fosse reprodução era quase impossível. Spilliaert mal está representado em museus fora da Bélgica, e quase na Grã-Bretanha. Sua arte é escondida principalmente em coleções particulares. Vê-lo na realidade significava viajar para Oostende, onde ele morava e morria, e seguir seus passos durante a noite.
Léon Spilliaert, Digue et plage, 1907. Encre de Chine, lavis et crayons de couleur sur papierPara Léon Spilliaert, é a grande ave noturna da arte moderna. Inquieto, insone e sofrendo de úlceras estomacais desde tenra idade, ele se levantava de madrugada e caminhava pelas ruas mortas até o longo passeio onde Ostend encontra a costa. Sua arte é cativada pela solidão e silêncio enervantes. Imagem após imagem mostra a beira-mar vazia, as únicas luzes de gás ao longo do píer, os degraus vertiginosos caindo nas vastas areias brancas, o mar negro girando sem parar.
Léon Spilliaert, Lost Sea, 1905Suas praias brilhavam na penumbra crepuscular. As defesas costeiras se afastam em ângulos violentos. Caminhos, colunatas arqueadas e terraços de pedra avançam em direção ao ponto de fuga. Sua paleta vai do crepúsculo prateado, leva cinza e sépia ao preto obliterador, com apenas um toque ocasional de luz na lua ou o halo de uma lâmpada. Não há ninguém lá (exceto Spilliaert).
O artista nasceu em uma família de lojistas no centro de Oostende. Seu avô era o faroleiro, mas seu pai era um perfumista com uma grande loja em Kapellestraat, ainda a principal rua comercial. Ele também possuía um salão de cabeleireiro, pintado por seu filho em 1909. No brilho baixo de um candelabro, casacos e chapéus pendiam de estacas como pessoas mortas. Claramente, ainda existem clientes, mas a cena é tão fraca que parece o meio da noite.
Denis Sarazhin nasceu em Nikopol, Ucrânia em 1982. Ele freqüentou a Kharkov Art and Design Academy, graduando-se em 2008. Ele se especializou em pintura e foi aluno de Ganozkiy VL, Chaus VN e Vintayev VN. Sarazhin foi agraciado com o 1º grau Diploma Award for Excellence in Painting pela Ukrainian Art Academy. Desde 2007, ele é membro da seção de Kharkov na associação da Aliança dos Artistas da Ucrânia.
Denis Sarazhin é representado por: – Arcadia Contemporary – Culver City CA, EUA. A maneira como você pinta as mãos me dá a sensação de que há mais na história do que apenas a figura humana? Você poderia dizer mais sobre eles? As mãos são uma parte muito importante do corpo humano. Eles estão participando da expressão de emoções e sentimentos. Essa é uma das formas de comunicação não verbal. Além disso, no sentido anatômico, é um dos elementos mais exigentes em termos de plasticidade, interessantes e expressivos. Então, quando estou representando mãos, defino uma tarefa, não apenas para exibir corretamente e com sinceridade, mas também tento expressar por elas um certo valor emocional e não verbal.
Seu estilo de pintura é único com o virtuosismo da pincelada, como o seu estilo evoluiu para isso? O estilo e a maneira de apresentação de qualquer artista depende de muitos fatores. É como – o ambiente em que ele nasceu e viveu, as pessoas ao seu redor enquanto estudava na escola de arte, o que ele vê em revistas e reproduções, ou em museus e salas de exposições. Por isso, é difícil identificar algo específico e claro. 
Em todo artista, você pode encontrar algo que o inspirará e influenciará. Além disso, com o passar do tempo, os gostos estão mudando, o que eu gosto hoje, amanhã já pode parecer chato e sem graça. É difícil destacar um certo estilo e a época que me influenciou.
Algo que eu gosto no estilo de «Moderno», mas, ao mesmo tempo, há muita coisa que eu não entendo. Quais são suas principais fontes de inspiração ao lado do seu campo de trabalho? Histórias para minhas composições nascem de minhas observações da vida. Eles podem ser vistos por mim em qualquer lugar, em situações e lugares inesperados. Algumas composições são um reflexo e entendimento do que vi ou ouvi. Eu posso dizer que esta é a minha experiência de vida.
Você já teve um ponto baixo ainda, quando queria desistir de tudo? Por mais que eu não queira, às vezes chega a mim. Especialmente quando vejo uma avaliação injusta de algo realmente talentoso e interessante. Sou bastante crítico para o meu trabalho, porque o nível de avaliação é sempre alto, estar satisfeito com bons resultados não é uma necessidade para mim. Mas acredito no poder da arte, isso me dá força e fé de que, se você estuda e trabalha constantemente consigo mesmo, pode conseguir tudo o que deseja. Existe uma fonte online que você achou especialmente útil em sua evolução artística? Antes de tudo, é claro, o Facebook e o Instagram. Esses recursos permitem ver tantos artistas e obras de arte interessantes, por isso é difícil imaginar quanto tempo levaria para explorar todo esse material, viajando ao redor do mundo e olhando para museus e galerias. Além disso, é até possível ter um diálogo virtual com artistas de quem eu gosto e que eu dificilmente teria encontrado sem ele.
As variações de cores quentes e frias são tão grandes no seu trabalho, como você as administra de maneira tão surpreendente? No que diz respeito aos métodos técnicos, posso dizer que tudo vem com prática e experimentação. Estou constantemente procurando maneiras melhores e técnicas de pintura que maximizem e possam expressar o que eu tinha em mente. Eu posso dizer que a linguagem da arte que eu uso apareceu ao longo do tempo, esses métodos não foram ensinados na academia de arte. Especialmente na Academia de Arte, eu treinei em uma boa escola artística tradicional “soviética”. Devido ao surgimento de novas tendências da “arte contemporânea”, essa escola será esquecida. O que é realmente triste.
Sua série Pantomima mostra uma figura em várias poses no fundo liso que lhes dá uma sensação de espaço sem gravidade, mas há alguma tensão nelas, era essa a sua intenção? Pantomima – o tipo de artes cênicas, em que o principal meio de criar uma imagem artística é o corpo humano e a ação sem palavras como meio de expressão. Essa definição é minha principal idéia para criar uma série de “pantomima”.
Nos trabalhos, existe uma relação de forma entre as pessoas e a busca de si mesmas. Mas, ao mesmo tempo, devido à imprecisão e abstração do espaço, os espectadores têm a oportunidade de interpretar livremente o que viram na imagem, inclusive a partir de sua própria visão de mundo e experiência de vida.
Enquanto estamos nisso, que valor você dá para nomear obras de arte? Você acha que é uma parte importante da pintura? Eu acho que a maioria dos artistas concorda que esse não é o passo mais fácil do trabalho. Mas, às vezes, quando estou criando títulos para um trabalho, chego à ideia de fazer um novo trabalho. Portanto, pode ser uma ação muito produtiva.
Gôndola em Veneza,1908
