Explorando a Pietà de Michelangelo, uma obra-prima da escultura renascentista

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Durante séculos, o mundo foi cativado pela arte inovadora de Michelangelo. Trabalhando em vários meios, o artista italiano era um verdadeiro homem renascentista, culminando em uma impressionante coleção de obras mundialmente famosas, que inclui o teto da Capela Sistina, uma interpretação icônica de David e a Pietà, uma escultura monumental em mármore da Madonna que está abrigando Cristo.

Criada no final do século XV, a Pietà continua sendo uma das esculturas mais amadas do mundo. Aqui, vamos dar uma olhada nesta peça para entender como sua iconografia, história e características artísticas moldaram um legado tão importante.

O que é uma “Pietà”?

Foto: Museu Metropolitano de Arte Public Domain

Na arte cristã, uma Pietà é qualquer retrato (particularmente, uma representação escultural) da Virgem Maria segurando o corpo de seu filho Jesus. Segundo a Bíblia, Jesus foi crucificado por alegar ser filho de Deus. Embora Maria abraçando seu filho morto não seja mencionada explicitamente no livro sagrado, a cena se tornou um assunto popular entre os artistas há séculos, depois que os escultores alemães introduziram figuras de madeira Vesperbild (um termo que se traduz em “imagem das vésperas”) no norte da Europa. durante a Idade Média.

Em 1400, a tradição chegou à Itália, onde os artistas renascentistas a adaptaram como escultura em mármore – e Michelangelo deixou sua marca com sua versão sem precedentes.

Pietà de Michelangelo

Pieta Vatican
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No final do século XV, o jovem artista florentino Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni já era um artista famoso. Ele era particularmente conhecido por sua capacidade de pintar e esculpir figuras bíblicas com características anatômicas realistas, culminando em comissões da elite religiosa de Roma.

No final de 1497, o cardeal Jean de Bilhères-Lagraulas, embaixador francês na Santa Sé, pediu a Michelangelo que construísse preventivamente uma Pietà em larga escala para sua tumba. No ano seguinte, Michelangelo começou a trabalhar na escultura, que ele esculpiu em um único bloco de mármore de Carrara, um material abundante da Toscana. Historicamente usado pelos antigos construtores romanos, esse meio era apreciado por sua qualidade e popular entre os artistas renascentistas.

Quando a obra foi concluída em 1499, recebeu elogios esmagadores, com pintor contemporâneo, arquiteto, escritor, historiador e biógrafo de Michelangelo, Giorgio Vasari, entre seus fãs mais fiéis. “Certamente é um milagre que um bloco de pedra sem forma possa ter sido reduzido a uma perfeição que a natureza dificilmente pode criar na carne”, ele escreveu em The Lives of the Artists.

De fato, a peça foi tão celebrada que, temendo que ele não fosse creditado, Michelangelo – que é conhecido por nunca assinar seu trabalho – inscreveu-a com seu nome. Segundo Vasari, o artista que ouviu os espectadores atribuiu erroneamente a peça a Il Gobbo, um artista milanês. Em resposta, Michelangelo “ficou calado, mas achou estranho que seus trabalhos fossem atribuídos a outro; e uma noite ele se trancou ali e, tendo trazido um pouco de luz e seus cinzéis, gravou seu nome nele.

Uma obra-prima renascentista

O que torna a Pietà de Michelangelo tão especial? Como outras obras do artista, a peça ilustra os ideais da Renascença; em particular, mostra interesse pelo naturalismo.

Durante o Alto Renascimento (1490-1527), os artistas na Itália começaram a rejeitar as formas irrealistas encontradas na arte medieval figurativa em favor de uma abordagem mais naturalista. Na vanguarda dessa tendência, Michelangelo criou esculturas que focavam no equilíbrio, nos detalhes e em uma abordagem realista e idealizada da forma humana.

A Pietà reflete perfeitamente esses ideais renascentistas. Para sugerir equilíbrio, ele transformou a escultura em pirâmide. Popular na pintura e na escultura renascentistas, o uso da composição piramidal – uma técnica artística de colocar uma cena ou assunto dentro de um triângulo imaginário – ajuda o espectador a observar uma obra de arte, orientando-o pela composição. Essa silhueta também sugere estabilidade, o que Michelangelo implicou ainda mais com o uso de cortinas pesadas cobrindo a forma monumental de Maria.

Enquanto, nesse sentido, o grande tamanho da Virgem se presta ao naturalismo da escultura, paradoxalmente também parece irreal, pois ela parece muito maior que o filho adulto. Por que Michelangelo optou por essas proporções? Enquanto a maioria dos historiadores da arte acredita que era uma questão de perspectiva (uma figura massiva espalhada no colo de uma figura menor pareceria desequilibrada), existe outra teoria mais pungente que pode ser rastreada até a tradição Vesperbild.

Enquanto discutia uma estatueta do final do século XIV, o Metropolitan Museum of Art explica que a “pequena escala de Jesus pode refletir os escritos dos místicos alemães, que acreditavam que a Virgem, na agonia de sua dor, imaginava que ela estava segurando Cristo como um bebê. mais uma vez em seus braços.

Legado

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Desde a sua inauguração no século XV, a Pietà teve uma vida agitada. Embora, durante séculos, tenha sido alojado na capela funerária da cidade do Vaticano, o cardeal acabou por encontrar um lugar permanente e de destaque na Basílica de São Pedro, onde permanece até hoje.

Embora a peça possua uma história de 520 anos, muitos destaques de seu legado surgiram apenas recentemente. Em meados do século 20, por exemplo, houve muito alarde quando foi exibido na Feira Mundial de Nova York de 1964. Menos de uma década depois, atraiu a atenção quando um homem brandindo um martelo o vandalizou. E, recentemente, no início de 2019, a peça voltou a ser manchete quando os historiadores concluíram que uma pequena estátua de terracota descoberta em Paris provavelmente serviu de estudo.

Mesmo sem esses desenvolvimentos recentes, no entanto, a Pietà, sem dúvida, solidificou seu papel como uma das esculturas mais significativas do mundo.

Madonna e o menino: como a dupla divina inspirou artistas por séculos

Imagens da Madona e do Menino – um título que normalmente denota uma representação visual da Virgem Maria e de seu filho Jesus, estão entre os motivos mais elogiados da pintura.

Originalmente uma prática devocional antiga decorrente de crenças bíblicas, representar artisticamente essas figuras se tornou um tema central no cânone da história da arte.

Dada a sua longevidade, não é de admirar que a tradição tenha evoluído ao longo do tempo, culminando em uma série de obras que variam de ícones divinos a retratos realistas. Somente observando o papel do motivo ao longo da história é que é possível entender completamente seu significado – tanto na arte cristã quanto além.

Quem eram Maria e Jesus?

Segundo a crença cristã, Maria – uma judia galileana de Nazaré – foi escolhida por Deus para dar à luz seu único filho, Jesus. A Bíblia enfatiza o fato de que Maria era virgem, impregnada não por seu noivo, José, mas pelo Espírito Santo – um fenômeno que, segundo o Evangelho de Lucas, perplexa até a própria Maria.

“Como isso vai acontecer?” ela perguntou a Gabriel, um mensageiro arcanjo enviado por Deus para lhe contar as novidades. “Eu ainda sou virgem!” O anjo respondeu: “O espírito santo virá sobre você. . . e o poder do Altíssimo o obscurecerá. Por essa razão, o santo que nasceu de você será chamado Filho de Deus. ”

Maria concordou em levar, nascer e ressuscitar Jesus. Juntos, o casal está entre as figuras mais veneradas do cristianismo, não surpreendendo sua presença perpétua na arte.

A Madona e o Menino na História da Arte

ROMA ANTIGA

“Virgem e Menino com Balão, o Profeta”, na catacumba de Priscila, em Roma, no final do século II (Foto: Wikimedia Commons [Public Domain])

Como muitas outras tendências da história da arte, a Madonna (derivada do termo italiano para Nossa Senhora) e a tradição infantil remontam ao Antigo Império Romano.
O retrato visual mais antigo conhecido de Maria e do menino Jesus pode ser encontrado na Catacumba de Priscila, uma pedreira usada para enterros cristãos no final dos séculos 2 a 4. Esta catacumba é comemorada por suas antigas pinturas de parede e teto, incluindo uma coleção inspirada na Bíblia. Além das histórias do Antigo Testamento, incluindo a Encadernação de Isaac e o Juízo Final, os afrescos em sua Câmara Grega contam histórias do Novo Testamento – incluindo, é claro, o nascimento de Jesus.

A Catacumba de Priscila também provavelmente apresenta o retrato mais antigo conhecido de um anjo na história da arte. Juntos, esses “primeiros” o tornam um dos sites mais importantes da arte cristã.

BIZÂNCIO

Ícone da Virgem e Menino entronizados com santos e anjos no mosteiro de Santa Catarina, século VI (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Após sua estréia no afresco, Madonna e Child se materializaram como pinturas encáusticas (à base de cera) e tempera (à base de gema de ovo). Renderizados em painéis de madeira, esses ícones católicos romanos geralmente apresentam Maria e Jesus de rosto sombrio, sentados em um trono e ladeados por santos e anjos igualmente sérios. Eles eram predominantemente usados para adoração e estão entre as obras mais predominantes da arte bizantina.

EUROPA MEDIEVAL

Duccio, “Madonna e Criança”, ca. 1300 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Na Idade Média, os artistas adotaram a estética do ícone bizantino para criar seu próprio estilo de pintura em painel. Pintores italianos como Cimabue e Duccio criaram retratos temperados de Maria e Jesus, baseados no modelo bizantino – especialmente planos planos, poses sentadas e o uso de folha de ouro, um meio cuja popularidade diminuiu à medida que o Renascimento se aproximava.

BAIXO RENASCIMENTO ITALIANO

Filippo Lippi, “Madonna Com Criança e Dois Anjos”, ca. 1460-1465 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

No século XV, pintores e desenhistas italianos começaram a experimentar o realismo em seus trabalhos. Essa abordagem inaugurou o início do Renascimento, uma era de arte iluminada que durou de 1400 a 1490. Durante esse período, os artistas voltaram-se para os tempos antigos, culminando em um corpo de trabalho que evoca interesses clássicos. Enquanto muitas obras-primas do período – incluindo Primavera e O nascimento de Vênus por Botticelli – mantiveram o assunto mitológico preferido pelos artistas clássicos, algumas apresentam representações naturalistas de Maria (que parecia adotar poses mais engajadas) e Jesus (que começou a parecer mais bebê).

MÉDIO RENASCIMENTO

Jan van Eyck, “Madonna na Igreja” 1438 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Os ideais italianos gradualmente atravessaram o continente, culminando em um renascimento do norte. Sediado nos Países Baixos (Holanda e Bélgica), Alemanha, França e Inglaterra, esse movimento compartilha a preferência do Renascimento Italiano pela pintura realista. Em suas impressões sobre Madonna e Child, artistas como Jan Van Eyck e Robert Campin adotaram essa nova abordagem, resultando em trabalhos que mostram um senso avançado de perspectiva, métodos hábeis de pintura de figuras e um interesse radical em cenários terrestres.

Alto Renascimento

Rafael, “Madonna do Pintassilgo”. ca. 1505-1506 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Durante o Alto Renascimento (1490 a 1527), Michelangelo, Leonardo da Vinci, Rafael e outros artistas italianos levaram esse interesse renovado ao realismo a novas alturas. Não mais interessados em motivos mitológicos, eles mudaram seu foco para retratos encomendados, estudos anatômicos realistas e figuras bíblicas – incluindo Madonna e Criança cada vez mais pessoal e naturalista.

IMPÉRIO MUGHAL

“Folha Única da Virgem e do Menino”, 1600-1625 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

A Madonna e a Criança não apareceram apenas na arte ocidental – elas também serviram como musa na pintura de Mughal. Por que figuras cristãs clássicas apareceriam na arte indo-islâmica? De acordo com o Metropolitan Museum of Art, no século 16, “numerosos assuntos cristãos foram copiados por artistas indianos que trabalhavam nas bíblias, gravuras e pinturas ilustradas que foram levadas à corte de Mughal por missionários jesuítas e comerciantes europeus”. Além disso, as próprias figuras estão presentes de maneira proeminente no Alcorão e no próprio Islã; Acredita-se que Maria seja “acima de todas as mulheres da criação”, enquanto Jesus é visto como o penúltimo profeta e mensageiro de Allah.

FRANÇA NEOCLASSICA

William-Adolphe Bouguereau, “Madonna with Child”, 1899 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Essa iconografia permaneceu popular durante todo o período neoclássico, um movimento inspirado no senso de equilíbrio da arte clássica e no foco na figura humana. Enquanto pintores como William-Adolphe Bouguereau tentavam modernizar assuntos mais antigos – incluindo Madonna e Child, que ele imaginava figuras do século XIX em um ambiente estilizado -, seus contemporâneos já estavam elaborando interpretações cada vez mais avant-garde.

ARTE MODERNA E CONTEMPORÂNEA

Mary Cassatt, “Mãe e Filho (Oval Mirror)”, ca. 1899 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Na virada do século XIX, a impressionista Mary Cassatt, nascida nos Estados Unidos, subverteu sutilmente os critérios tradicionais de Madonna e Child com Mãe e Filho (The Oval Mirror). À primeira vista, esta peça encantadora se parece com muitos outros retratos maternos de Cassatt. O que diferencia a pintura, no entanto, são algumas referências particularmente discretas. “O olhar de adoração da mulher e o rosto doce e a posição contrária do menino sugerem imagens da Renascença Italiana da Virgem e do Menino”, explica o Metropolitan Museum of Art, “uma conexão reforçada pelo espelho oval que emoldura a cabeça do menino como uma auréola”.

Allan D’Arcangelo, “Madonna and Child”, 1963 (Foto: Wally Gobetz [CC BY-NC-ND 2.0])

Seguindo os passos de Cassatt, artistas modernos e contemporâneos adotaram e adaptaram o conceito de Madonna e Child. Em 1942, Marc Chagall criou A Madona da Vila, uma representação sonhadora de Maria e Jesus flutuando em uma fantasia. Em 1949, Salvador Dalí quebrou a familiar iconografia com A Madonna de Port Lligat. E em 1963, Allan D’Arcangelo deu um toque de pop art ao par com sua Madonna e Child, um retrato gráfico do “ícone” Jackie Kennedy e sua filha Caroline.
Além de mostrar seus próprios poderes criativos, esses artistas inovadores revelaram uma verdade importante sobre Madonna e Child: a iconografia milenar pode ser triunfantemente atemporal.