Explorando a Pietà de Michelangelo, uma obra-prima da escultura renascentista

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Durante séculos, o mundo foi cativado pela arte inovadora de Michelangelo. Trabalhando em vários meios, o artista italiano era um verdadeiro homem renascentista, culminando em uma impressionante coleção de obras mundialmente famosas, que inclui o teto da Capela Sistina, uma interpretação icônica de David e a Pietà, uma escultura monumental em mármore da Madonna que está abrigando Cristo.

Criada no final do século XV, a Pietà continua sendo uma das esculturas mais amadas do mundo. Aqui, vamos dar uma olhada nesta peça para entender como sua iconografia, história e características artísticas moldaram um legado tão importante.

O que é uma “Pietà”?

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Na arte cristã, uma Pietà é qualquer retrato (particularmente, uma representação escultural) da Virgem Maria segurando o corpo de seu filho Jesus. Segundo a Bíblia, Jesus foi crucificado por alegar ser filho de Deus. Embora Maria abraçando seu filho morto não seja mencionada explicitamente no livro sagrado, a cena se tornou um assunto popular entre os artistas há séculos, depois que os escultores alemães introduziram figuras de madeira Vesperbild (um termo que se traduz em “imagem das vésperas”) no norte da Europa. durante a Idade Média.

Em 1400, a tradição chegou à Itália, onde os artistas renascentistas a adaptaram como escultura em mármore – e Michelangelo deixou sua marca com sua versão sem precedentes.

Pietà de Michelangelo

Pieta Vatican
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No final do século XV, o jovem artista florentino Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni já era um artista famoso. Ele era particularmente conhecido por sua capacidade de pintar e esculpir figuras bíblicas com características anatômicas realistas, culminando em comissões da elite religiosa de Roma.

No final de 1497, o cardeal Jean de Bilhères-Lagraulas, embaixador francês na Santa Sé, pediu a Michelangelo que construísse preventivamente uma Pietà em larga escala para sua tumba. No ano seguinte, Michelangelo começou a trabalhar na escultura, que ele esculpiu em um único bloco de mármore de Carrara, um material abundante da Toscana. Historicamente usado pelos antigos construtores romanos, esse meio era apreciado por sua qualidade e popular entre os artistas renascentistas.

Quando a obra foi concluída em 1499, recebeu elogios esmagadores, com pintor contemporâneo, arquiteto, escritor, historiador e biógrafo de Michelangelo, Giorgio Vasari, entre seus fãs mais fiéis. “Certamente é um milagre que um bloco de pedra sem forma possa ter sido reduzido a uma perfeição que a natureza dificilmente pode criar na carne”, ele escreveu em The Lives of the Artists.

De fato, a peça foi tão celebrada que, temendo que ele não fosse creditado, Michelangelo – que é conhecido por nunca assinar seu trabalho – inscreveu-a com seu nome. Segundo Vasari, o artista que ouviu os espectadores atribuiu erroneamente a peça a Il Gobbo, um artista milanês. Em resposta, Michelangelo “ficou calado, mas achou estranho que seus trabalhos fossem atribuídos a outro; e uma noite ele se trancou ali e, tendo trazido um pouco de luz e seus cinzéis, gravou seu nome nele.

Uma obra-prima renascentista

O que torna a Pietà de Michelangelo tão especial? Como outras obras do artista, a peça ilustra os ideais da Renascença; em particular, mostra interesse pelo naturalismo.

Durante o Alto Renascimento (1490-1527), os artistas na Itália começaram a rejeitar as formas irrealistas encontradas na arte medieval figurativa em favor de uma abordagem mais naturalista. Na vanguarda dessa tendência, Michelangelo criou esculturas que focavam no equilíbrio, nos detalhes e em uma abordagem realista e idealizada da forma humana.

A Pietà reflete perfeitamente esses ideais renascentistas. Para sugerir equilíbrio, ele transformou a escultura em pirâmide. Popular na pintura e na escultura renascentistas, o uso da composição piramidal – uma técnica artística de colocar uma cena ou assunto dentro de um triângulo imaginário – ajuda o espectador a observar uma obra de arte, orientando-o pela composição. Essa silhueta também sugere estabilidade, o que Michelangelo implicou ainda mais com o uso de cortinas pesadas cobrindo a forma monumental de Maria.

Enquanto, nesse sentido, o grande tamanho da Virgem se presta ao naturalismo da escultura, paradoxalmente também parece irreal, pois ela parece muito maior que o filho adulto. Por que Michelangelo optou por essas proporções? Enquanto a maioria dos historiadores da arte acredita que era uma questão de perspectiva (uma figura massiva espalhada no colo de uma figura menor pareceria desequilibrada), existe outra teoria mais pungente que pode ser rastreada até a tradição Vesperbild.

Enquanto discutia uma estatueta do final do século XIV, o Metropolitan Museum of Art explica que a “pequena escala de Jesus pode refletir os escritos dos místicos alemães, que acreditavam que a Virgem, na agonia de sua dor, imaginava que ela estava segurando Cristo como um bebê. mais uma vez em seus braços.

Legado

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Desde a sua inauguração no século XV, a Pietà teve uma vida agitada. Embora, durante séculos, tenha sido alojado na capela funerária da cidade do Vaticano, o cardeal acabou por encontrar um lugar permanente e de destaque na Basílica de São Pedro, onde permanece até hoje.

Embora a peça possua uma história de 520 anos, muitos destaques de seu legado surgiram apenas recentemente. Em meados do século 20, por exemplo, houve muito alarde quando foi exibido na Feira Mundial de Nova York de 1964. Menos de uma década depois, atraiu a atenção quando um homem brandindo um martelo o vandalizou. E, recentemente, no início de 2019, a peça voltou a ser manchete quando os historiadores concluíram que uma pequena estátua de terracota descoberta em Paris provavelmente serviu de estudo.

Mesmo sem esses desenvolvimentos recentes, no entanto, a Pietà, sem dúvida, solidificou seu papel como uma das esculturas mais significativas do mundo.

As esculturas teatralmente enigmáticas de Philip Jackson

Sua capacidade de transmitir a condição humana através do hábil uso da linguagem corporal tornou-se uma de suas características mais memoráveis.

Nascido em Inverness, Jackson agora vive e trabalha em West Sussex. Ele foi nomeado Comandante da Royal Victorian Order e esteve na lista de honra de aniversário da Rainha de 2009.

Ele cria figuras profundamente imponentes tanto pela mensagem que transmite quanto pela sua presença física no ambiente em que estão inseridas.

Poderosas e lindamente esculpidas, as posturas meticulosamente precisas que Jackson trabalha em cada peça criam uma enorme sensação de drama.

O assombroso, a elegância e o resultado teatralmente enigmático das esculturas de Philip Jackson são verdadeiramente inspiradores – nunca deixam de causar perplexidade em quem por elas tem o privilégio de passar.

Malcolm Martin & Gaynor Dowling – Esculturas

Malcolm Martin
& Gaynor Dowling

Trabalham esculturas em madeira, de formas monumentais de meia tonelada para um jardim particular, até vasos colados a partir de seções de verniz pesando algumas gramas.


O que todas as peças compartilham é o papel central da mão e das ferramentas manuais, principalmente através da escultura.

Esses dois escultores vivem e trabalham juntos em Stroud, Gloucestershire, nas colinas de Cotswold, na Inglaterra, desde 1997.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Han Hsu-tung – Esculturas

Pixelando a madeira com
Hsu Tung

As esculturas de madeira de Hsu Tung Han são verdadeiras obras de arte dinâmicas. O artista taiwanês é especialista em misturar pedaços de madeira em suas incríveis esculturas figurativas.

Este escultor contemporâneo pensa em seu trabalho como um quebra-cabeça, colocando cuidadosamente cada peça em modelos de barro.

Em seguida, tiras de madeira de nogueira ou cera africana são unidas e terminam com um trabalho meticuloso.

Os destaques de Han são as “pixelações” que aparecem em cada figura, usando o espaço positivo e negativo.

Isso dá um dinamismo que parece colocar todos os trabalhos em movimento. Uma master class sobre como os artistas podem manipular um meio.