Artes Plásticas – Pinturas

George Bellows – American,1882-1925
“Shore House” s/d


Ivan Goryushkin Sorokopudov
Russian-1873-1954


Matteo Massagrande – Interior,2015


Karolina Kurkova – s/t s/d


Steve Hanks – Like a Angel – Aquarela


Lawrence Alma Tadema – s/t s/d


Mary Hayllar – British -1863/1950
The tennis party – s/d


Edward Hopper – blue night – s/d


Pintura de Željko Muck – s/t s/d


Paul Gauguin – Flowers & Idol – s/d

Artes Plásticas – Pinturas


Leo Marie Gausson – s/t s/d


Pierre Auguste Renoir
The Rose Garden at Wargemont


Renoir Roses dans un vase decore – c. 1912


David Lee – Flowers on silk – s/d s/t


Felix Cordero -s/t s/d


Georgia OKeeffe, Red Canna,1923


Gianni Strino – Potrait s/d


Giovanni Fattori – s/d s/t

Artes Plásticas – Pinturas

August Wilhelm Leu


Gaynor Leverett Jaques
secret space


Jean Leon Gouweloos
Belgian, 1865-1943


Jerry Sanders – Landscape s/d


Nikolai Feshin – “Golden hair”,1925
Oil on canvas, 71 x 66 cm


Rupert Bunny (1864-1947)
Angels Descending, 1897, oil on canvas, 157.5 x 98.4 cm. Art Gallery Australia

Artes Plásticas – Pinturas

Carl Alexandersson(Swedish, 1897-1941) Dårhusparken – The Madhouse Park, 1931


Peder Mørk Mønsted – “Landscape” – s/d


Rupert Bunny – “Angels-Descending”,1897
oil on canvas – 157.5 x 98.4 cm
Art Gallery of South Australia


William Adolphe Bouguereau 1825-1905 Innocence,1873
oil on canvas-64.8 x 54.6 cm


Gabrielle Münter (German, 1877-1962)
Christmas Still-life s/d

Artes Plásticas – Pinturas

Erika Stearly, s/t 2016


Stifter Moritz
Austrian, 1857-1905


Nikolai Feshin, Russian American
Golden hair,1925, Oil on canvas, 71 x 66 cm


Kees van Dongen
Trinidad Fernandez,1910
Oil-on-canvas-66.3-x-53.8-cm


Alfred Sisley
Saint-Mammes on the Loing,1886
Oil on-canvas 54-x-73 cm
Musee des Beaux Arts de Dijon,França


Monet – Meadow at Bezons,1874
Oil on canvas – 57 x 80 cm
Nationalgalerie Berlin,Germany


Leon De Smet – 1881-1966
Interior of the Artists House,1940


Marcos Guinoza – s/t s/d


John William Waterhouse s/t s/d

História da Arte – Raphael Sanzio – A Madona da Sistina

Uma das pinturas mais famosas de todos os tempos tem sua casa em Dresden. Como a “Mona Lisa” de Leonardo em Paris ou o “Nascimento de Vênus” de Botticelli em Florença, a “Madona Sistina” de Rafael foi memorizada em nossa memória cultural.

“The Sistine Madonna”, também chamada de “The Madonna di San Sisto”, é uma pintura a óleo do artista italiano Raphael Sanzio. A tela foi uma das últimas Madonas pintadas por Raphael.
Giorgio Vasari chamou de “uma obra verdadeiramente rara e extraordinária”.

A pintura foi transferida para Dresden em 1754 e é bem conhecida por sua influência na cena artística alemã e russa. Após a Segunda Guerra Mundial, foi transferido para Moscou por uma década antes de ser devolvido à Alemanha.
A encomenda: A “Madona Sistina” quase certamente foi encomendada diretamente pelo Papa Júlio II.

Em julho de 1512, o Vaticano recebeu a notícia de que a cidade de Piacenza, no norte da Itália, havia aderido aos Estados Papais. Supõe-se que este evento levou o Papa a encomendar a pintura.
A “Madona Sistina” destinava-se à igreja do mosteiro de San Sisto, em Piacenza, à qual o Papa estava associado devido aos estreitos contactos familiares.
Raphael provavelmente já havia concluído a obra na época da morte do Papa em fevereiro de 1513.

A pintura: A “Madona Sistina” é uma das obras-primas do Renascimento mais famosas do mundo. Retrata uma visão aparecendo aos santos nas nuvens.
No centro da imagem, a Virgem caminha em direção ao reino terreno, segurando o Menino Jesus nos braços.
Do firmamento dos céus, sugerida pelas incontáveis ​​cabeças de anjos pintadas em azul celeste, ela carrega o Menino Jesus ao mundo. O Papa Sisto II, um mártir do século III, ajoelha-se do lado esquerdo da imagem, mostrando-lhe o caminho.
No lado direito está a figura ajoelhada de Santa Bárbara, que também sofreu o martírio no século III.
Estes dois santos eram venerados no altar-mor da igreja do mosteiro de San Sisto em Piacenza, razão pela qual o artista os incluiu na pintura.
Os dois querubins bonitos empoleirados na balaustrada na parte inferior da imagem foram adicionados por Raphael no final do processo de pintura, principalmente por razões de composição.

                       

Uma breve introdução a Caravaggio, o mestre da luz

Como muitos grandes artistas, a sorte de Michelangelo Merisi da Caravaggio aumentou e caiu dramaticamente. Após sua morte, possivelmente de sífilis ou assassinato, sua influência se espalhou pelo continente à medida que seguidores chamados Caravaggisti usavam o claro-escuro no exterior.

Ele influenciou Rubens, Rembrandt e Velázquez – na verdade, todo o período barroco na história da arte europeia provavelmente nunca teria acontecido sem ele. “Com exceção de Michelangelo”, escreveu o historiador da arte Bernard Berenson, “nenhum outro pintor italiano exerceu uma influência tão grande”.

Mas os críticos posteriores atacaram violentamente seu realismo hiper-dramático e de alto contraste. Seu estilo, chamado de “tenebrismo” pelo uso de escuridão profunda em pinturas como A Chamada de São Mateus, é chocante em comparação com o maneirismo fantasioso que veio antes. No vídeo acima, Evan Puschak, o Nerdwriter, explica o que torna o trabalho de Caravaggio tão estranhamente hiperreal.

Ele “preferia pintar seus temas como os olhos os vêem”, escreve a Fundação Caravaggio, “com todas as suas falhas e defeitos naturais, em vez de como criações idealizadas. Essa mudança da prática padrão e do idealismo clássico de Michelangelo foi muito controversa na época…. Seu realismo foi visto por alguns como inaceitavelmente vulgar. ”

Também polêmico foi o próprio Caravaggio. Sua vida selvagem se tornou um tema ideal para o filme biográfico de arte de Derek Jarman de 1986, estrelado por Tilda Swinton. Famoso por brigas, “as transcrições de seus registros policiais e processos de julgamento ocupam várias páginas”. Ele nunca se casou ou se estabeleceu e o erotismo masculino em suas pinturas levou muitos a sugerir que ele era gay.

(O filme de Jarman torna isso uma parte explícita de sua biografia.) É provável, pensam os historiadores da arte, que o pintor teve muitos relacionamentos tumultuosos, sexual ou não, com homens e mulheres antes de sua morte prematura aos 38 anos.

Apesar de sua vida profana, as pinturas de Caravaggio evidenciam uma “espiritualidade notável” e ilustram, como observa Puschak, exatamente o tipo de intensidade apaixonada que a Igreja Católica contra-Reformada queria usar para estimular os fiéis. A popularidade de Caravaggio significou encomendas de patrocinadores ricos e, por um tempo, ele foi o pintor mais famoso de Roma, bem como um dos personagens mais famosos da cidade. Caravaggio pintou da vida, encenando seus arranjos intrincados com modelos reais que seguravam as poses enquanto ele trabalhava.

Suas figuras eram pessoas comuns que poderiam ser encontradas nas ruas da cidade do século 17. E o próprio Caravaggio, apesar de seu enorme talento, também era uma pessoa comum, deixando de lado os estereótipos de gênios trágicos e torturados. Ele era profundamente falho, é verdade, mas impulsionado por um desejo incrível de se tornar algo maior.

A pintura de Jack Vettriano

Nascido em Fife, Escócia, Jack Vettriano deixou a escola aos dezesseis anos para se tornar um engenheiro de minas.No aniversário de 21 anos, uma namorada deu-lhe um conjunto de tintas aquarela e, a partir daí, ele passou a maior parte do tempo aprendendo a pintar sozinho.Em 2008, Vettriano empreendeu uma variedade de projetos privados, incluindo o lançamento de um novo livro, Studio Life, e comissões para pintar retratos de Sir Jackie Stewart e Zara Phillips, o último dos quais fazia parte de um projeto de arrecadação de fundos de caridade para o Sport Relief, cuja experiência foi capturada em um documentário transmitido pela BBC1 em março de 2008.Em 1989, ele apresentou duas pinturas para a exposição anual da Royal Scottish Academy; ambos foram aceitos e vendidos no primeiro dia.No ano seguinte, uma reação igualmente entusiástica saudou as três pinturas, as quais ele inscreveu para a prestigiosa Exposição de Verão na Royal Academy de Londres e sua nova vida como artista começou a partir daí. Nos últimos vinte anos, o interesse pelo trabalho de Vettriano cresceu de forma consistente. Exposições individuais esgotadas em Edimburgo, Londres, Hong Kong e Nova York.
2004 foi um ano excepcional na carreira de Vettriano; sua pintura mais conhecida, The Singing Butler, foi vendida na Sotheby’s por cerca de £ 750.000; ele foi premiado com um OBE por Serviços às Artes Visuais e foi o tema de um documentário da South Bank Show, intitulado “Jack Vettriano: The People’s Painter”.De 1994 a 2007, Vettriano foi representado pela Portland Gallery em Londres, mas o relacionamento terminou em junho de 2007.

Em 2009, Vettriano foi contratado pelo Iate Clube de Mônaco para criar uma série de pinturas para marcar o centenário de seu iate mundialmente famoso, Tuiga.A exposição subsequente, “Homage a Tuiga”, estreou em Mônaco como parte da Classic Yacht Week em setembro de 2009, antes de viajar para o Reino Unido em 2010.