August Renoir – Pinturas

Renoir foi um pintor francês que iniciou o desenvolvimento do movimento impressionista. Conhecido por celebrar a beleza e, especialmente, a sensualidade feminina, diz-se que Renoir é o último representante de uma tradição herdada diretamente de Rubens e terminando com Watteau.


Madonna e o menino: como a dupla divina inspirou artistas por séculos

Imagens da Madona e do Menino – um título que normalmente denota uma representação visual da Virgem Maria e de seu filho Jesus, estão entre os motivos mais elogiados da pintura.

Originalmente uma prática devocional antiga decorrente de crenças bíblicas, representar artisticamente essas figuras se tornou um tema central no cânone da história da arte.

Dada a sua longevidade, não é de admirar que a tradição tenha evoluído ao longo do tempo, culminando em uma série de obras que variam de ícones divinos a retratos realistas. Somente observando o papel do motivo ao longo da história é que é possível entender completamente seu significado – tanto na arte cristã quanto além.

Quem eram Maria e Jesus?

Segundo a crença cristã, Maria – uma judia galileana de Nazaré – foi escolhida por Deus para dar à luz seu único filho, Jesus. A Bíblia enfatiza o fato de que Maria era virgem, impregnada não por seu noivo, José, mas pelo Espírito Santo – um fenômeno que, segundo o Evangelho de Lucas, perplexa até a própria Maria.

“Como isso vai acontecer?” ela perguntou a Gabriel, um mensageiro arcanjo enviado por Deus para lhe contar as novidades. “Eu ainda sou virgem!” O anjo respondeu: “O espírito santo virá sobre você. . . e o poder do Altíssimo o obscurecerá. Por essa razão, o santo que nasceu de você será chamado Filho de Deus. ”

Maria concordou em levar, nascer e ressuscitar Jesus. Juntos, o casal está entre as figuras mais veneradas do cristianismo, não surpreendendo sua presença perpétua na arte.

A Madona e o Menino na História da Arte

ROMA ANTIGA

“Virgem e Menino com Balão, o Profeta”, na catacumba de Priscila, em Roma, no final do século II (Foto: Wikimedia Commons [Public Domain])

Como muitas outras tendências da história da arte, a Madonna (derivada do termo italiano para Nossa Senhora) e a tradição infantil remontam ao Antigo Império Romano.
O retrato visual mais antigo conhecido de Maria e do menino Jesus pode ser encontrado na Catacumba de Priscila, uma pedreira usada para enterros cristãos no final dos séculos 2 a 4. Esta catacumba é comemorada por suas antigas pinturas de parede e teto, incluindo uma coleção inspirada na Bíblia. Além das histórias do Antigo Testamento, incluindo a Encadernação de Isaac e o Juízo Final, os afrescos em sua Câmara Grega contam histórias do Novo Testamento – incluindo, é claro, o nascimento de Jesus.

A Catacumba de Priscila também provavelmente apresenta o retrato mais antigo conhecido de um anjo na história da arte. Juntos, esses “primeiros” o tornam um dos sites mais importantes da arte cristã.

BIZÂNCIO

Ícone da Virgem e Menino entronizados com santos e anjos no mosteiro de Santa Catarina, século VI (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Após sua estréia no afresco, Madonna e Child se materializaram como pinturas encáusticas (à base de cera) e tempera (à base de gema de ovo). Renderizados em painéis de madeira, esses ícones católicos romanos geralmente apresentam Maria e Jesus de rosto sombrio, sentados em um trono e ladeados por santos e anjos igualmente sérios. Eles eram predominantemente usados para adoração e estão entre as obras mais predominantes da arte bizantina.

EUROPA MEDIEVAL

Duccio, “Madonna e Criança”, ca. 1300 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Na Idade Média, os artistas adotaram a estética do ícone bizantino para criar seu próprio estilo de pintura em painel. Pintores italianos como Cimabue e Duccio criaram retratos temperados de Maria e Jesus, baseados no modelo bizantino – especialmente planos planos, poses sentadas e o uso de folha de ouro, um meio cuja popularidade diminuiu à medida que o Renascimento se aproximava.

BAIXO RENASCIMENTO ITALIANO

Filippo Lippi, “Madonna Com Criança e Dois Anjos”, ca. 1460-1465 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

No século XV, pintores e desenhistas italianos começaram a experimentar o realismo em seus trabalhos. Essa abordagem inaugurou o início do Renascimento, uma era de arte iluminada que durou de 1400 a 1490. Durante esse período, os artistas voltaram-se para os tempos antigos, culminando em um corpo de trabalho que evoca interesses clássicos. Enquanto muitas obras-primas do período – incluindo Primavera e O nascimento de Vênus por Botticelli – mantiveram o assunto mitológico preferido pelos artistas clássicos, algumas apresentam representações naturalistas de Maria (que parecia adotar poses mais engajadas) e Jesus (que começou a parecer mais bebê).

MÉDIO RENASCIMENTO

Jan van Eyck, “Madonna na Igreja” 1438 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Os ideais italianos gradualmente atravessaram o continente, culminando em um renascimento do norte. Sediado nos Países Baixos (Holanda e Bélgica), Alemanha, França e Inglaterra, esse movimento compartilha a preferência do Renascimento Italiano pela pintura realista. Em suas impressões sobre Madonna e Child, artistas como Jan Van Eyck e Robert Campin adotaram essa nova abordagem, resultando em trabalhos que mostram um senso avançado de perspectiva, métodos hábeis de pintura de figuras e um interesse radical em cenários terrestres.

Alto Renascimento

Rafael, “Madonna do Pintassilgo”. ca. 1505-1506 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Durante o Alto Renascimento (1490 a 1527), Michelangelo, Leonardo da Vinci, Rafael e outros artistas italianos levaram esse interesse renovado ao realismo a novas alturas. Não mais interessados em motivos mitológicos, eles mudaram seu foco para retratos encomendados, estudos anatômicos realistas e figuras bíblicas – incluindo Madonna e Criança cada vez mais pessoal e naturalista.

IMPÉRIO MUGHAL

“Folha Única da Virgem e do Menino”, 1600-1625 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

A Madonna e a Criança não apareceram apenas na arte ocidental – elas também serviram como musa na pintura de Mughal. Por que figuras cristãs clássicas apareceriam na arte indo-islâmica? De acordo com o Metropolitan Museum of Art, no século 16, “numerosos assuntos cristãos foram copiados por artistas indianos que trabalhavam nas bíblias, gravuras e pinturas ilustradas que foram levadas à corte de Mughal por missionários jesuítas e comerciantes europeus”. Além disso, as próprias figuras estão presentes de maneira proeminente no Alcorão e no próprio Islã; Acredita-se que Maria seja “acima de todas as mulheres da criação”, enquanto Jesus é visto como o penúltimo profeta e mensageiro de Allah.

FRANÇA NEOCLASSICA

William-Adolphe Bouguereau, “Madonna with Child”, 1899 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Essa iconografia permaneceu popular durante todo o período neoclássico, um movimento inspirado no senso de equilíbrio da arte clássica e no foco na figura humana. Enquanto pintores como William-Adolphe Bouguereau tentavam modernizar assuntos mais antigos – incluindo Madonna e Child, que ele imaginava figuras do século XIX em um ambiente estilizado -, seus contemporâneos já estavam elaborando interpretações cada vez mais avant-garde.

ARTE MODERNA E CONTEMPORÂNEA

Mary Cassatt, “Mãe e Filho (Oval Mirror)”, ca. 1899 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Na virada do século XIX, a impressionista Mary Cassatt, nascida nos Estados Unidos, subverteu sutilmente os critérios tradicionais de Madonna e Child com Mãe e Filho (The Oval Mirror). À primeira vista, esta peça encantadora se parece com muitos outros retratos maternos de Cassatt. O que diferencia a pintura, no entanto, são algumas referências particularmente discretas. “O olhar de adoração da mulher e o rosto doce e a posição contrária do menino sugerem imagens da Renascença Italiana da Virgem e do Menino”, explica o Metropolitan Museum of Art, “uma conexão reforçada pelo espelho oval que emoldura a cabeça do menino como uma auréola”.

Allan D’Arcangelo, “Madonna and Child”, 1963 (Foto: Wally Gobetz [CC BY-NC-ND 2.0])

Seguindo os passos de Cassatt, artistas modernos e contemporâneos adotaram e adaptaram o conceito de Madonna e Child. Em 1942, Marc Chagall criou A Madona da Vila, uma representação sonhadora de Maria e Jesus flutuando em uma fantasia. Em 1949, Salvador Dalí quebrou a familiar iconografia com A Madonna de Port Lligat. E em 1963, Allan D’Arcangelo deu um toque de pop art ao par com sua Madonna e Child, um retrato gráfico do “ícone” Jackie Kennedy e sua filha Caroline.
Além de mostrar seus próprios poderes criativos, esses artistas inovadores revelaram uma verdade importante sobre Madonna e Child: a iconografia milenar pode ser triunfantemente atemporal.

As Pinturas de Gustave Caillebotte

Gustave Caillebotte foi um pintor francês da segunda metade do século XIX.
Formou-se no curso de Direito em 1868.

Gustave Caillebotte nasceu na cidade de Paris
em 21 de fevereiro de 1848. Estudou na Escola de Belas Artes de Paris, aonde entrou em contato com vários pintores do Impressionismo.

É considerado um importante representante do Impressionismo francês nas artes plásticas.

Foi convocado para a Guarda Nacional e lutou na Guerra Franco-Prussiana.

Retratou, em suas pinturas, cenas cotidianas da vida urbana, com destaque para as pessoas e os cenários. Retratou também paisagens e cenas de interiores.

Atuou também como financiador das artes plásticas (mecenas), colecionador de arte, filatelista e projetista de iates.

Principais características do estilo artístico:
– Presença marcante, em suas obras, do realismo.
– Belo e marcante trabalho com a luminosidade nas telas.
– Usou, em grande parte de suas pinturas, a técnica de óleo sobre tela.
– Teve influência da fotografia e de pinturas japonesas.
– Usou também o recurso da perspectiva profunda e do ponto de vista alto.

Principais obras:

– Rua Parisiense, Dia Chuvoso (1877)
– Os jardins (1875)
– A ponte da Europa (1876)
– Baigneurs (1878)
– Homem jovem à sua janela (1875)
– Boulevard dos italianos (1880)
– Skiffs no Yerres (1877)
– Os raspadores de chão (1875)
– Homem em uma varanda (1880)
– Veleiros sobre o rio Sena em Argenteui (1892)

Paul Klee – Pinturas

Paul Klee nasceu em Münchenbuchsee, Suíça,
em 18 de dezembro de 1879.

Paul Klee era um  artista suíço e alemão, mais conhecido por seu trabalho, influenciado pelo cubismo, expressionismo e surrealismo.

Klee participou e foi influenciado por uma série de movimentos artísticos, incluindo surrealismo, cubismo e expressionismo. Ele ensinou arte na Alemanha até 1933, quando os nacional-socialistas declararam seu trabalho indecente. A família Klee fugiu para a Suíça, onde Paul Klee morreu em 29 de junho de 1940.

Filho de um professor de música, Klee era um violinista talentoso, recebendo um convite para tocar com a Bern Music Association aos 11 anos.

Quando adolescente, a atenção de Klee passou da música para as artes visuais. Em 1898, ele começou a estudar na Academia de Belas Artes de Munique. Em 1905, ele havia desenvolvido técnicas de assinatura, incluindo o desenho com uma agulha em um painel de vidro enegrecido. Entre 1903 e 1905, ele completou um conjunto de gravuras chamado Invenções que seriam seus primeiros trabalhos expostos.

Em 1906, Klee se casou com a pianista bávara Lily Stumpf. O casal teve um filho, Felix Paul. As obras de arte de Klee progrediram lentamente nos próximos cinco anos. Em 1910, ele teve sua primeira exposição individual em Berna, que posteriormente viajou para três cidades suíças.

Em janeiro de 1911, Klee conheceu o crítico de arte Alfred Kubin, que o apresentou a artistas e críticos. Naquele inverno, Klee se juntou à equipe editorial da revista Der Blaue Reiter, co-fundada por Franz Marc e Wassily Kandinsky. Ele começou a trabalhar em experimentos de cores em aquarelas e paisagens, incluindo a pintura In the Quarry.

O avanço artístico de Klee ocorreu em 1914, após uma viagem à Tunísia. Inspirado pela luz em Tunes, Klee começou a mergulhar na arte abstrata. De volta a Munique, Klee pintou seu primeiro resumo puro, No estilo de Kairouan, composto por retângulos e círculos coloridos.

O trabalho de Klee evoluiu durante a Primeira Guerra Mundial, principalmente após a morte de seus amigos Auguste Macke e Franz Marc. Klee criou várias litografias com caneta e tinta, incluindo Death for the Idea, em reação a essa perda. Em 1916, ele se juntou ao exército alemão, pintando camuflagem em aviões e trabalhando como balconista.

Em 1917, os críticos de arte começaram a classificar Klee como um dos melhores jovens artistas alemães. Um contrato de três anos com o revendedor Hans Goltz trouxe exposição e sucesso comercial.

Klee ensinou na Bauhaus de 1921 a 1931, ao lado de seu amigo Kandinsky. Em 1923, Kandinsky e Klee formaram o Blue Four com outros dois artistas, Alexej von Jawlensky e Lyonel Feininger, e viajaram pelos Estados Unidos para dar palestras e exibir trabalhos. Klee fez suas primeiras exposições em Paris por volta dessa época, encontrando favores com os surrealistas franceses.

Klee começou a ensinar na Academia de Dusseldorf em 1931. Dois anos depois, ele foi demitido sob o domínio nazista. A família Klee se mudou para a Suíça no final de 1933.

Klee estava no auge de sua produção criativa durante esse período tumultuado. Ele produziu quase 500 obras em um único ano e criou Ad Parnassum, amplamente considerado sua obra-prima