August Renoir – Pinturas

Renoir foi um pintor francês que iniciou o desenvolvimento do movimento impressionista. Conhecido por celebrar a beleza e, especialmente, a sensualidade feminina, diz-se que Renoir é o último representante de uma tradição herdada diretamente de Rubens e terminando com Watteau.


Madonna e o menino: como a dupla divina inspirou artistas por séculos

Imagens da Madona e do Menino – um título que normalmente denota uma representação visual da Virgem Maria e de seu filho Jesus, estão entre os motivos mais elogiados da pintura.

Originalmente uma prática devocional antiga decorrente de crenças bíblicas, representar artisticamente essas figuras se tornou um tema central no cânone da história da arte.

Dada a sua longevidade, não é de admirar que a tradição tenha evoluído ao longo do tempo, culminando em uma série de obras que variam de ícones divinos a retratos realistas. Somente observando o papel do motivo ao longo da história é que é possível entender completamente seu significado – tanto na arte cristã quanto além.

Quem eram Maria e Jesus?

Segundo a crença cristã, Maria – uma judia galileana de Nazaré – foi escolhida por Deus para dar à luz seu único filho, Jesus. A Bíblia enfatiza o fato de que Maria era virgem, impregnada não por seu noivo, José, mas pelo Espírito Santo – um fenômeno que, segundo o Evangelho de Lucas, perplexa até a própria Maria.

“Como isso vai acontecer?” ela perguntou a Gabriel, um mensageiro arcanjo enviado por Deus para lhe contar as novidades. “Eu ainda sou virgem!” O anjo respondeu: “O espírito santo virá sobre você. . . e o poder do Altíssimo o obscurecerá. Por essa razão, o santo que nasceu de você será chamado Filho de Deus. ”

Maria concordou em levar, nascer e ressuscitar Jesus. Juntos, o casal está entre as figuras mais veneradas do cristianismo, não surpreendendo sua presença perpétua na arte.

A Madona e o Menino na História da Arte

ROMA ANTIGA

“Virgem e Menino com Balão, o Profeta”, na catacumba de Priscila, em Roma, no final do século II (Foto: Wikimedia Commons [Public Domain])

Como muitas outras tendências da história da arte, a Madonna (derivada do termo italiano para Nossa Senhora) e a tradição infantil remontam ao Antigo Império Romano.
O retrato visual mais antigo conhecido de Maria e do menino Jesus pode ser encontrado na Catacumba de Priscila, uma pedreira usada para enterros cristãos no final dos séculos 2 a 4. Esta catacumba é comemorada por suas antigas pinturas de parede e teto, incluindo uma coleção inspirada na Bíblia. Além das histórias do Antigo Testamento, incluindo a Encadernação de Isaac e o Juízo Final, os afrescos em sua Câmara Grega contam histórias do Novo Testamento – incluindo, é claro, o nascimento de Jesus.

A Catacumba de Priscila também provavelmente apresenta o retrato mais antigo conhecido de um anjo na história da arte. Juntos, esses “primeiros” o tornam um dos sites mais importantes da arte cristã.

BIZÂNCIO

Ícone da Virgem e Menino entronizados com santos e anjos no mosteiro de Santa Catarina, século VI (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Após sua estréia no afresco, Madonna e Child se materializaram como pinturas encáusticas (à base de cera) e tempera (à base de gema de ovo). Renderizados em painéis de madeira, esses ícones católicos romanos geralmente apresentam Maria e Jesus de rosto sombrio, sentados em um trono e ladeados por santos e anjos igualmente sérios. Eles eram predominantemente usados para adoração e estão entre as obras mais predominantes da arte bizantina.

EUROPA MEDIEVAL

Duccio, “Madonna e Criança”, ca. 1300 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Na Idade Média, os artistas adotaram a estética do ícone bizantino para criar seu próprio estilo de pintura em painel. Pintores italianos como Cimabue e Duccio criaram retratos temperados de Maria e Jesus, baseados no modelo bizantino – especialmente planos planos, poses sentadas e o uso de folha de ouro, um meio cuja popularidade diminuiu à medida que o Renascimento se aproximava.

BAIXO RENASCIMENTO ITALIANO

Filippo Lippi, “Madonna Com Criança e Dois Anjos”, ca. 1460-1465 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

No século XV, pintores e desenhistas italianos começaram a experimentar o realismo em seus trabalhos. Essa abordagem inaugurou o início do Renascimento, uma era de arte iluminada que durou de 1400 a 1490. Durante esse período, os artistas voltaram-se para os tempos antigos, culminando em um corpo de trabalho que evoca interesses clássicos. Enquanto muitas obras-primas do período – incluindo Primavera e O nascimento de Vênus por Botticelli – mantiveram o assunto mitológico preferido pelos artistas clássicos, algumas apresentam representações naturalistas de Maria (que parecia adotar poses mais engajadas) e Jesus (que começou a parecer mais bebê).

MÉDIO RENASCIMENTO

Jan van Eyck, “Madonna na Igreja” 1438 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Os ideais italianos gradualmente atravessaram o continente, culminando em um renascimento do norte. Sediado nos Países Baixos (Holanda e Bélgica), Alemanha, França e Inglaterra, esse movimento compartilha a preferência do Renascimento Italiano pela pintura realista. Em suas impressões sobre Madonna e Child, artistas como Jan Van Eyck e Robert Campin adotaram essa nova abordagem, resultando em trabalhos que mostram um senso avançado de perspectiva, métodos hábeis de pintura de figuras e um interesse radical em cenários terrestres.

Alto Renascimento

Rafael, “Madonna do Pintassilgo”. ca. 1505-1506 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Durante o Alto Renascimento (1490 a 1527), Michelangelo, Leonardo da Vinci, Rafael e outros artistas italianos levaram esse interesse renovado ao realismo a novas alturas. Não mais interessados em motivos mitológicos, eles mudaram seu foco para retratos encomendados, estudos anatômicos realistas e figuras bíblicas – incluindo Madonna e Criança cada vez mais pessoal e naturalista.

IMPÉRIO MUGHAL

“Folha Única da Virgem e do Menino”, 1600-1625 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

A Madonna e a Criança não apareceram apenas na arte ocidental – elas também serviram como musa na pintura de Mughal. Por que figuras cristãs clássicas apareceriam na arte indo-islâmica? De acordo com o Metropolitan Museum of Art, no século 16, “numerosos assuntos cristãos foram copiados por artistas indianos que trabalhavam nas bíblias, gravuras e pinturas ilustradas que foram levadas à corte de Mughal por missionários jesuítas e comerciantes europeus”. Além disso, as próprias figuras estão presentes de maneira proeminente no Alcorão e no próprio Islã; Acredita-se que Maria seja “acima de todas as mulheres da criação”, enquanto Jesus é visto como o penúltimo profeta e mensageiro de Allah.

FRANÇA NEOCLASSICA

William-Adolphe Bouguereau, “Madonna with Child”, 1899 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Essa iconografia permaneceu popular durante todo o período neoclássico, um movimento inspirado no senso de equilíbrio da arte clássica e no foco na figura humana. Enquanto pintores como William-Adolphe Bouguereau tentavam modernizar assuntos mais antigos – incluindo Madonna e Child, que ele imaginava figuras do século XIX em um ambiente estilizado -, seus contemporâneos já estavam elaborando interpretações cada vez mais avant-garde.

ARTE MODERNA E CONTEMPORÂNEA

Mary Cassatt, “Mãe e Filho (Oval Mirror)”, ca. 1899 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Na virada do século XIX, a impressionista Mary Cassatt, nascida nos Estados Unidos, subverteu sutilmente os critérios tradicionais de Madonna e Child com Mãe e Filho (The Oval Mirror). À primeira vista, esta peça encantadora se parece com muitos outros retratos maternos de Cassatt. O que diferencia a pintura, no entanto, são algumas referências particularmente discretas. “O olhar de adoração da mulher e o rosto doce e a posição contrária do menino sugerem imagens da Renascença Italiana da Virgem e do Menino”, explica o Metropolitan Museum of Art, “uma conexão reforçada pelo espelho oval que emoldura a cabeça do menino como uma auréola”.

Allan D’Arcangelo, “Madonna and Child”, 1963 (Foto: Wally Gobetz [CC BY-NC-ND 2.0])

Seguindo os passos de Cassatt, artistas modernos e contemporâneos adotaram e adaptaram o conceito de Madonna e Child. Em 1942, Marc Chagall criou A Madona da Vila, uma representação sonhadora de Maria e Jesus flutuando em uma fantasia. Em 1949, Salvador Dalí quebrou a familiar iconografia com A Madonna de Port Lligat. E em 1963, Allan D’Arcangelo deu um toque de pop art ao par com sua Madonna e Child, um retrato gráfico do “ícone” Jackie Kennedy e sua filha Caroline.
Além de mostrar seus próprios poderes criativos, esses artistas inovadores revelaram uma verdade importante sobre Madonna e Child: a iconografia milenar pode ser triunfantemente atemporal.

As Pinturas de Gustave Caillebotte

Gustave Caillebotte foi um pintor francês da segunda metade do século XIX.
Formou-se no curso de Direito em 1868.

Gustave Caillebotte nasceu na cidade de Paris
em 21 de fevereiro de 1848. Estudou na Escola de Belas Artes de Paris, aonde entrou em contato com vários pintores do Impressionismo.

É considerado um importante representante do Impressionismo francês nas artes plásticas.

Foi convocado para a Guarda Nacional e lutou na Guerra Franco-Prussiana.

Retratou, em suas pinturas, cenas cotidianas da vida urbana, com destaque para as pessoas e os cenários. Retratou também paisagens e cenas de interiores.

Atuou também como financiador das artes plásticas (mecenas), colecionador de arte, filatelista e projetista de iates.

Principais características do estilo artístico:
– Presença marcante, em suas obras, do realismo.
– Belo e marcante trabalho com a luminosidade nas telas.
– Usou, em grande parte de suas pinturas, a técnica de óleo sobre tela.
– Teve influência da fotografia e de pinturas japonesas.
– Usou também o recurso da perspectiva profunda e do ponto de vista alto.

Principais obras:

– Rua Parisiense, Dia Chuvoso (1877)
– Os jardins (1875)
– A ponte da Europa (1876)
– Baigneurs (1878)
– Homem jovem à sua janela (1875)
– Boulevard dos italianos (1880)
– Skiffs no Yerres (1877)
– Os raspadores de chão (1875)
– Homem em uma varanda (1880)
– Veleiros sobre o rio Sena em Argenteui (1892)

Artes Plásticas – Pinturas

Viktor Vasnetsov
The Lake, 1902

Hanuman Kambli

Léon Spilliaert
Maison sur la digue Huis,1907

Alicia Scavino

Alicia Scavino

Alicia Scavino

Alicia Scavino

Alicia Scavino

Bee Bartlett

Claude Monet – Vaso de Flores, S/D

Artes Plásticas – Pinturas

Konstantin Korovin
Black Cat at a Windowsill (1902)


Anna Syperek  – Aquarela s/t


Édouard Vuillard “Il bacio”, 1890-92


Theo van Rysselberghe “Vase Of Flowers”


Johan Krouthén, The Farmhouse, 1915


Clarence Gagnon
“The pond, october” – ca 1921


Kathy Jones s/t


Axel Hjalmar Ender -1853/1920
“Woman on a Beach”,1901


Konstantin Alekseyevich Korovin s/t
(1861 – 1919)


Anders Zorn (Swedish, 1860 – 1920)


Ethel Walker – s/t


Claude Monet – Water Lily Pond-1899


Pieter Elder Brueguel
Summer,1568,61x41cm – Pena e ink s/ papel

Léon Spilliaert; pinturas escuras, mas animadoras

O artista belga sofria de insônia e muitas vezes passeava pelas ruas sozinho. Suas pinturas encontraram beleza e luz da escuridão, escreve Cath Pound.
As obras misteriosas e enigmáticas de Léon Spilliaert habitam um mundo subterrâneo crepuscular entre a realidade e o sonho. Era um reino que ele conjurou após os passeios ao luar que tomou para acalmar sua inquietação induzida por insônia.

Na calada da noite, ele refletia sobre as questões filosóficas que o preocupavam: a criação do mundo, as relações entre os sexos e o destino final do homem. Seus pensamentos seriam transformados em retratos fantasmagóricos de sua cidade natal, Oostende, naturezas-mortas nas quais os objetos têm uma vida misteriosa e uma série de autorretratos extraordinários nos quais o artista belga se metia profundamente em sua própria alma.

“Havia algo nesse isolamento e solidão que claramente ele estava atraído. Ele parece ter se deleitado com a criatividade que despertou nele ”, diz Adrian Locke, co-curador da exposição da Royal Academy em Londres, que levou o trabalho de Spilliaert a uma audiência britânica pela primeira vez (a galeria agora está temporariamente fechada – mas há um tour virtual da exposição aqui.

O mar é uma presença constante no trabalho de Spilliaert, como Woman at the Shoreline (1910); sua corrente inquieta espelhava a turbulência interna do pintor

Ostende à noite ou na nebulosa luz etérea do amanhecer daria sua inspiração perfeita. Do farol às galerias reais, ele passeava pela orla marítima, que o anoitecer deixara sem presença humana. Sua busca existencial foi ampliada por seu profundo envolvimento com a filosofia alemã e a literatura simbolista. “Como Nietzsche, ele sente que, quando anda imperturbado pela vida normal, sua mente fica muito clara e seus pensamentos são mais puros, especialmente no inverno, quando Ostend estava tão sozinho”, diz Anne Adriaens-Pannier, especialista em Spilliaert, que co-curou a exposição.

O mar é uma presença constante, sua corrente inquieta espelha sua própria turbulência interior
Sua leitura de poetas e dramaturgos simbolistas o levou a acreditar que sonho e emoção podiam se refletir na paisagem. Oostende viria a incorporar o artista em momentos de melancolia. Em uma série de composições estranhamente desoladas, ele cria perspectivas extraordinárias que antecipam De Chirico. Os caminhos se afastam para destinos aparentemente ausentes. Em outros lugares, as cenas noturnas têm uma qualidade quase abstrata, na qual a luz parece emergir do nada e os edifícios adquirem curiosas qualidades antropomórficas. O mar é uma presença constante, sua corrente inquieta espelhando sua própria turbulência interior.

As obras misteriosas e enigmáticas de Spilliaert, como The Shipwrecked (1926), habitam um mundo subterrâneo crepuscular entre realidade e sonho

“É por isso que acho que ele gosta tanto de tinta preta – é um meio em que você precisa de muita água”, diz Adriaens-Pannier. Ela vê ligações inexoráveis ​​entre essa escuridão, a inquietação do mar e o estado mental perturbado de Spilliaert.

Mas, apesar da escuridão sombria e da qualidade estranhamente etérea, seria um erro ver essas obras como inteiramente sombrias. Spilliaert pode ter sido atormentado por dúvidas e incertezas e frustrado por sua falta de aclamação da crítica, mas nunca questionou o valor intrínseco de sua arte.

Ele está abraçando esses desafios de sua vida, em vez de apenas ser derrotado por eles – Adrian Locke
De fato, sua paleta limitada tem um efeito meditativo, que pode ser estranhamente calmante e até estranhamente edificante. “Você precisa ter luz para criar as trevas e precisa delas para dar o brilho da luz”, diz Adriaens-Pannier. Ela fica espantada com a escuridão que Spilliaert criou com camadas e mais camadas de tintas indianas, mas ressalta que “quando você olha de perto as obras, vê que, devido a essas muitas camadas, elas começam a brilhar.

Em suas pinturas de mulheres como The Absinthe Drinker (1907), Spilliaert retratava a solidão e uma independência e desafio subjacentes

Em obras como Promenade, Light Reflections ou Hofstraat, Ostende (ambas em 1908), ruas escuras são perfuradas pelo brilho de iluminações distantes. É como se, no meio de sua escuridão interior, Spilliaert estivesse constantemente procurando a beleza e a luz.

“Sinto instintivamente que ele está abraçando esses desafios de sua vida, em vez de apenas ser derrotado por eles”, diz Locke.

“Beleza sublime e sobrenatural”

Spilliaert também mostrou uma profunda consciência dos desafios que as mulheres enfrentam nos primeiros anos do século XX e parece ter entendido inerentemente as relações de poder que geram ansiedade, isolamento e dependência. Ele mostrou uma afinidade comovente com as esposas e pesadas esposas de pescadores, evitadas pela sociedade educada, que esperavam diariamente que seus maridos retornassem. “É estranho como ele lhes dá nobreza”, diz Adriaens-Pannier.A garota de A Rajada de Vento (1904) está se preparando contra os elementos – gritando mais alto que o vento

Há uma constante sensação de solidão e espera nas jovens que aparecem nas praias vazias. Mas uma autoconfiança subjacente e um desejo de independência também podem ser detectados. Spilliaert parecia acreditar que as mulheres finalmente teriam forças para superar os obstáculos colocados por uma sociedade patriarcal inflexível. Em nenhum lugar isso é mais evidente do que em The Gust of Wind (1904). Claramente influenciado por Munch, apresenta uma jovem garota, a boca aberta em um uivo. Mas longe de sofrer um trauma, essa garota está virando as costas para o mar tumultuado atrás dela, apoiando-se nos elementos. Ela pode estar gritando “mas está gritando mais alto que o vento”, diz Adriaens-Pannier. “Ela domina.”Obviamente, não havia como negar as frustrações enfrentadas por muitas mulheres na época. O assunto de sua extraordinária jovem mulher em um banquinho (1909) é cercado por uma aura brilhante, como se estivesse fervendo de energia, mas ela é obrigada a sentar-se diante de uma parede em branco, incapaz de perceber o potencial que se eleva dentro dela. No entanto, não podemos deixar de sentir que ela anseia por aproveitar o poder da luz que vem das janelas e quebrar as estreitas expectativas da sociedade sobre ela.

O fracasso do mundo da arte em apreciar sua visão única causou-lhe intensa ansiedade
A incapacidade de Spilliaert de ter seu potencial reconhecido pesou muito em sua mente. Embora sua leitura de Nietzsche o tenha levado a se ver como um artista ungido, o fracasso do mundo da arte em apreciar sua visão única causou-lhe intensa ansiedade. Ele enfrentou suas inseguranças e dúvidas de frente em uma série de autorretratos notáveis ​​que revelam uma intensa introspecção. “É bastante inflexível, o olhar dele”, diz Locke. “É como se ele quisesse ver através do externo o que está dentro”.A jovem mulher em um banquinho (1909) é cercada por uma aura brilhante, como se estivesse fervendo de energia

Retratando-se frequentemente com um choque elétrico de cabelos e anéis escuros sob os olhos, como se estivesse alucinando de fadiga, ele parece estar lutando com seus demônios interiores e com a privação do sono, a fim de descobrir uma compreensão mais profunda de si mesmo. Em Auto-retrato diante de um espelho (1908), seu rosto fantasmagórico e parecido com uma máscara parece ter entrado em outro mundo cuja existência só ele próprio tinha consciência.

Nesse mundo subterrâneo noturno que se materializou no estúdio que ele ocupava na casa de seus pais, não foi apenas a paisagem que assumiu um poder subjetivo. Aqui, objetos inanimados também “sugerem existências silenciosas obscuras às quais ninguém presta atenção”, escreveu o crítico Franz Hellens em 1912Em seus auto-retratos, como Auto-retrato (1907), ele parece estar lutando com seus demônios interiores

Os frascos e caixas de presente de seu pai perfumista assumem um charme misterioso, como se escondendo alguma verdade interior profunda.

“Ele era fascinado por objetos que não tinham vida nobre”, diz Adriaens-Pannier. Talvez essa fosse a maneira de Spilliaert demonstrar respeito por coisas que, como ele, eram subestimadas ou ignoradas.

Em seu quarto, sem dúvida um lugar em que ele passou muitas horas inquietas antes de sair para as ruas de Ostende, ele foi inextricavelmente atraído por uma humilde tigela azul. Ele lhe confere uma qualidade luminosa efervescente, quase como se estivesse prestes a começar a pairar por conta própria. A tigela é iluminada pela lâmpada brilhante do farol que brilhava sobre as águas turbulentas do mar do Norte. A lâmpada giratória teria deixado seu quarto na escuridão por muito mais tempo do que na luz, mas Spilliaert aproveitou o momento em que esse objeto ignóbil brilhou e lhe deu uma beleza sublime e sobrenatural. Como o próprio Spilliaert, estava esperando aquele breve momento de iluminação que irrompeu na escuridão.

Artes Plásticas – Pinturas

Henri Le Sidaner 1862/1939
“Le seuil fleuri”,1934

Matsuo Toshio #Jewel Rain”,2008

Coba Ritsema
“A Flowers with Roses in a Glass Vase”

Alexander Savinov – Rússia 1881/1942
“Lilac”,1920

Otto Diderich Ottesen – 1816/1892

Mahnor Shah

Odilon Redon
“Ophelia among the flowers”,1900

Roses in the Garden at Petit Gennevilliers