‘D&*$#, isto é um Caravaggio!’: A história de um velho mestre encontrado na Espanha

Demorou seis minutos para Massimo Pulini perceber que a pequena pintura a óleo que estava sob o martelo em Madri no início deste mês, com um preço de referência de € 1.500 (£ 1.300), poderia valer milhões.

Às 21h48 do dia 24 de março, Pulini, um professor de 63 anos da Academia de Belas Artes de Bolonha, recebeu um e-mail com um pedido de avaliação. Enviado por um antiquário e amigo de Pulini, incluía uma foto de uma pintura a óleo luminosa do Cristo flagelado.Às 21h54, Pulini enviou uma resposta que ecoou pelo mundo da arte: “Droga! Este é um Caravaggio! Onde diabos você o encontrou?”

Logo se espalhou a notícia de que o que se pensava ser um quadro atribuído ao círculo de um artista espanhol do século 17 poderia ter sido pintado pelo grande mestre italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio.

Em duas semanas, o Ministério da Cultura da Espanha, a conselho do Museu do Prado de Madri, realizou uma reunião de emergência para impor uma proibição de exportação. A pintura foi retirada do leilão.

Pulini, ele mesmo um pintor e também um historiador de arte autorizado, contou ao Guardian sobre sua identificação com a pintura e a luta, em última análise, condenada para trazê-la de volta à Itália.

Detalhe mostrando as pinceladas que identificaram a obra.

O e-mail tinha vindo de Giancarlo Ciaroni, o proprietário da prestigiosa Galeria Altomani em Milão e um dos mais conhecidos negociantes de arte da Itália, que por sua vez tinha passado a foto por um negociante de arte na região de Basilicata, no sul da Itália, que tinha localizou-o no catálogo online da casa de leilões de Madrid, Ansorena. “Por anos, tive relações amigáveis com centenas de colecionadores e negociantes de arte”, disse Pulini. “Enviam e-mails com fotos de pinturas, muitas vezes sem texto, pois o pedido está implícito: estabeleça um valor monetário para a pintura, ou simplesmente expresse o que penso dela.

A pintura foi atribuída no catálogo online ao círculo do artista do século XVII José de Ribera, filho de um sapateiro e notável seguidor de Caravaggio, mas Pulini estava convencido de que era o próprio Caravaggio.

Massimo Pulini
“Quando vi a pintura, não pude acreditar nos meus olhos”, disse ele. “O impacto foi tão imediato que soube imediatamente que se tratava de um Caravaggio. Foi como encontrar alguém na rua que você não via há muito tempo. É difícil explicar o que acontece em certos momentos quando, em um milissegundo, você tem essa impressão. Muitas vezes é uma questão de instinto. ”

Ciaroni leu a resposta de Pulini e telefonou para o marchand Basilicata, informando-o de sua intenção de participar do leilão em Madrid, mas sem fazer nenhuma menção a Caravaggio e solicitando que o assunto fosse tratado com a maior discrição. Seu apelo seria extremamente contraproducente: levantou as suspeitas do negociante e o levou a enviar a foto a Vittorio Sgarbi, um renomado crítico de arte italiano, deputado da Forza Italia e amigo próximo do líder do partido, Silvio Berlusconi. Como Pulini, Sgarbi suspeitou que a pintura fosse um Caravaggio.

Obras de Caravaggio em exibição em Gênova e Roma

“Eu vejo e imediatamente percebo que o trabalho é de Caravaggio”, disse Sgarbi à imprensa. “Também pensei que, com algum financiamento, poderia trazê-lo de volta para a Itália.”

Implacável, Ciaroni continuou sua busca pelo quadro e, em 26 de março, enviou seu filho a Madri para vê-lo pessoalmente. “Sabíamos que, se quiséssemos trazê-lo para casa, teríamos que negociar um acordo privado com os proprietários antes que a pintura fosse leiloada”, disse ele. “Tínhamos certeza de que, assim que fosse exibido publicamente, outros especialistas perceberiam que era um Caravaggio.”

Poucos dias depois, Ciaroni conseguiu se reunir com os donos do quadro, três irmãos que disseram ter herdado do pai, no escritório do diretor da casa de leilões Ansorena, em Madrid. Ciaroni deu a entender que estava disposto a gastar até € 500.000, ainda sem compartilhar sua convicção de que era um Caravaggio.Um detalhe do presumível Caravaggio em Madrid

Só quando foi informado de que a família já tinha recebido duas ofertas distintas de 3 milhões de euros é que se deu conta de que o segredo foi revelado. A identidade dos outros licitantes não foi divulgada.

Os proprietários agora estavam determinados a descobrir o mistério. Tendo inicialmente pretendido leiloar a pintura por um preço base de 1.500 €, eles agora se viram com três grandes ofertas.

“Eles estavam confusos. Quase com medo ”, disse Ciaroni. “Pedi 15 minutos do tempo deles para esclarecer a situação e pedi acesso a uma fotocopiadora para distribuir apostilas de um pequeno ensaio que Pulini começou a escrever logo após receber a imagem do quadro”.

Ao longo de 16 páginas, Pulini identificou a obra como A Coroação de Espinhos, pintada por Caravaggio para participar de um concurso organizado pelo aristocrata Massimo Massimi em 1605.

“Forneci detalhes específicos que confirmaram que a pintura era obra de Caravaggio, como a inclinação do rosto de Cristo, a luz, o rosto do soldado, que lembra o do Jovem Doente Baco (Bacchino malato), uma de suas obras mais célebres, ”Disse Pulini. “Escrevi a redação durante alguns dias e enviei para Ciaroni.”

Quando Ciaroni voltou com cópias do ensaio de 16 páginas de Pulini em suas mãos, o diretor da casa de leilões pegou e começou a ler em voz alta. A frase de abertura, escrita em italiano, afirmava que a pintura era um Caravaggio.

“Os rostos dos proprietários ficaram pálidos”, disse Ciaroni. “Eles ficaram sem palavras. Mais do que vencidos pela emoção, eles ficaram confusos. Seu pai comprou a pintura na década de 1970 e por 50 anos eles não tinham ideia de que pendurado em sua casa estava um Caravaggio que poderia facilmente valer milhões. ”

Em seu ensaio, Pulini também tentou explicar a série de eventos por trás da jornada da pintura da Itália à Espanha. Caravaggio o pintou no verão de 1605. Menos de um ano depois, na noite de 28 de maio de 1606, ele matou um homem, Ranuccio Tomassoni, em um duelo ilegal, e fugiu de Roma para se salvar da execução. Pulini acredita que A Coroação de Espinhos foi vítima de uma prática comum na época conhecida como a “condenação da memória”, em que artistas que cometeram crimes tiveram suas pinturas ou afrescos destruídos ou seus nomes retirados das obras que criaram.

Massimi pode ter decidido se livrar da pintura e vendê-la na Espanha, sugere Pulini.

A outra teoria envolve um parente próximo de Massimi, o cardeal Innocenzo Massimi, que em 1623 se tornou o embaixador papal em Madri e pode ter sido o intermediário para a transferência da pintura para a Espanha.

Como a pintura foi retirada do leilão e proibida de ser exportada neste mês, ela recebeu proteção adicional do governo regional de Madri, que a declarou um item de interesse cultural. Citou um relatório preliminar do Prado, observando que havia “razões formais e documentais bem fundamentadas para considerar que esta é provavelmente uma obra original de Michelangelo Merisi di Caravaggio”. Seus especialistas estão esperando para examinar a tela para um veredicto final.

Aconteça o que acontecer, é, como Pulini aponta, um milagre que a pintura tenha sobrevivido e permanecido intacta. “Nunca foi restaurado em mais de 400 anos”, disse ele. “A restauração, que espero que seja feita em breve, vai trazer de volta à vida as cores típicas de Caravaggio e todo o seu esplendor.”

Na sexta-feira, a galeria Colnaghi de Londres, uma das mais antigas galerias de arte comercial do mundo, anunciou que lideraria a restauração e venda da pintura e revelou que os proprietários eram os três filhos de Antonio Pérez de Castro, fundador da Escola de Design IADE de Madrid e a artista Mercedes Méndez Atard.

Quanto a Ciaroni, ele conta que, ao revelar a mão aos donos, percebeu que não poderia mais comprá-la. “Foi uma aventura emocionante”, disse ele. “Por algumas horas, a caminho da Espanha, fantasiei que já era meu.”

Uma breve introdução a Caravaggio, o mestre da luz

Como muitos grandes artistas, a sorte de Michelangelo Merisi da Caravaggio aumentou e caiu dramaticamente. Após sua morte, possivelmente de sífilis ou assassinato, sua influência se espalhou pelo continente à medida que seguidores chamados Caravaggisti usavam o claro-escuro no exterior.

Ele influenciou Rubens, Rembrandt e Velázquez – na verdade, todo o período barroco na história da arte europeia provavelmente nunca teria acontecido sem ele. “Com exceção de Michelangelo”, escreveu o historiador da arte Bernard Berenson, “nenhum outro pintor italiano exerceu uma influência tão grande”.

Mas os críticos posteriores atacaram violentamente seu realismo hiper-dramático e de alto contraste. Seu estilo, chamado de “tenebrismo” pelo uso de escuridão profunda em pinturas como A Chamada de São Mateus, é chocante em comparação com o maneirismo fantasioso que veio antes. No vídeo acima, Evan Puschak, o Nerdwriter, explica o que torna o trabalho de Caravaggio tão estranhamente hiperreal.

Ele “preferia pintar seus temas como os olhos os vêem”, escreve a Fundação Caravaggio, “com todas as suas falhas e defeitos naturais, em vez de como criações idealizadas. Essa mudança da prática padrão e do idealismo clássico de Michelangelo foi muito controversa na época…. Seu realismo foi visto por alguns como inaceitavelmente vulgar. ”

Também polêmico foi o próprio Caravaggio. Sua vida selvagem se tornou um tema ideal para o filme biográfico de arte de Derek Jarman de 1986, estrelado por Tilda Swinton. Famoso por brigas, “as transcrições de seus registros policiais e processos de julgamento ocupam várias páginas”. Ele nunca se casou ou se estabeleceu e o erotismo masculino em suas pinturas levou muitos a sugerir que ele era gay.

(O filme de Jarman torna isso uma parte explícita de sua biografia.) É provável, pensam os historiadores da arte, que o pintor teve muitos relacionamentos tumultuosos, sexual ou não, com homens e mulheres antes de sua morte prematura aos 38 anos.

Apesar de sua vida profana, as pinturas de Caravaggio evidenciam uma “espiritualidade notável” e ilustram, como observa Puschak, exatamente o tipo de intensidade apaixonada que a Igreja Católica contra-Reformada queria usar para estimular os fiéis. A popularidade de Caravaggio significou encomendas de patrocinadores ricos e, por um tempo, ele foi o pintor mais famoso de Roma, bem como um dos personagens mais famosos da cidade. Caravaggio pintou da vida, encenando seus arranjos intrincados com modelos reais que seguravam as poses enquanto ele trabalhava.

Suas figuras eram pessoas comuns que poderiam ser encontradas nas ruas da cidade do século 17. E o próprio Caravaggio, apesar de seu enorme talento, também era uma pessoa comum, deixando de lado os estereótipos de gênios trágicos e torturados. Ele era profundamente falho, é verdade, mas impulsionado por um desejo incrível de se tornar algo maior.

Simonetta Vespúcio, a Vênus de Botticelli

O seu rosto é um dos mais conhecidos do mundo, imortalizado nos quadros de Sandro Botticelli. No entanto, poucas pessoas conhecem a história ou mesmo o nome dela que, por sua beleza, era considerada pelos contemporâneos a deusa Vênus renascida.

O nascimento de Venus – Detalhe – Sandro Botticceli

Simonetta Vespucci em retrato feito por Sandro Botticelli, hoje em Berlim (Gemäldegalerie). Imagem: Wikipedia (domínio público).

Simonetta Cattaneo nasce em Gênova no ano de 1453. A família de banqueiros, embora de origem nobre, encontrava-se então em dificuldade econômica após a queda de Constantinopla (1453), cidade onde possuía importantes filiais. Por essa razão, quando Marco Vespucci (primo distante do explorador Américo Vespucci, que deu o nome de América ao nosso continente), membro de uma importante família de banqueiros de Florença, apaixonou-se perdidamente pela jovem e bela Simonetta, seu pai não hesitou em dá-la como esposa ao rico rapaz. Simonetta Vespucci tinha então 16 anos.

Estátua de Américo Vespucci – obra de Verocchio – navegador que deu o nome ao continente americano, na fachada da Galleria degli Uffizi. Foto: Goran Bogicevic / 123RF.

O jovem casal, recém-casado, muda-se para Florença, cidade natal da família Vespucci. Florença naqueles anos, sob o governo do também banqueiro Lourenço de Médici, vivia seu período de máximo esplendor cultural, atraindo artistas e estudiosos de toda a Itália, patrocinados pela munificência do próprio Lourenço.

Lourenço de Médici, senhor de Florença e importante mecenas do Renascimento. Retrato de Agnolo Bronzino, Galleria degli Uffizi. Imagem: Wikipedia (domínio público).

Sendo ambas ricas famílias de banqueiros de Florença, a relação entre os Médici e os Vespucci era de grande familiaridade, e Simonetta pôde assim passar a frequentar, junto ao seu marido, a refinada e luxuosa corte de Lourenço de Médici, dito o Magnífico.

Piazza dela Signoria, sede do governo de Lourenço o Magnífico. Foto: Jakobradlgruber / 123RF.

E foi daqui, a partir do rico ambiente da corte de Lourenço, que a fama de inigualável beleza de Simonetta tomou toda a cidade florentina. Muitos eram os poetas que a cantavam em seus versos, muitos eram os admiradores que competiam para ver, mesmo que por um só instante, a graça daquela que passou a ser chamada “Vênus de Florença”.

Dentre seus tantos admiradores havia também o jovem Giuliano de Médici, irmão mais novo de Lourenço o Magnífico e, portanto, segundo em importância na cidade. O rapaz era famoso entre os demais jovens da sua idade por sua coragem e valentia. Giuliano se apaixonou perdidamente por Simonetta, mas teve que viver seu sentimento apenas como um “amor cortês”, visto que a jovem era já casada e, para mais, com um membro da família Vespucci, aliada importante dos Médici.

Busto de Giuliano de Médici, irmão de Lourenço, com a armadura que usara no famoso torneio. Estátua de Andrea del Verrocchio, hoje nos Estados Unidos (National Gallery of Art). Imagem: Wikipedia (domínio público).

A paixão, porém, era tanta que em 1475, aos vinte e um anos, Giuliano resolve participar de um torneio a cavalo com os jovens mais corajosos da cidade na bela piazza Santa Croce, em pleno centro de Florença. O prêmio? Um emblema da deusa Atenas, cujo semblante era, na verdade, o da encantadora Simonetta Vespucci. O valente Giuliano sai vencedor do torneio e leva assim consigo, como prêmio, a imagem do belo rosto da amada.

Piazza Santa Croce em Florença, onde Giuliano venceu o famoso torneio. Foto: Uhland38 / 123RF.

Essa história de amor irrealizável não teve, todavia, um final feliz. Apenas um ano após o alvissareiro torneio no dia 26 de abril de 1476 Simonetta vinha a falecer, privando inesperadamente Florença da graça e do esplendor da sua jovem mais bela. Exatamente dois anos depois, igualmente no dia 26 de abril, morria também o jovem Giuliano, brutalmente assassinado durante uma missa na Igreja Santa Maria del Fiore em uma conspiração política que visava tirar os Médici do poder. De um só golpe Florença havia perdido seus dois jovens mais amados.

Igreja Santa Maria del Fiore, onde Giuliano de Médici foi brutalmente assassinado em uma conspiração. Foto: Brian Kinney / 123RF.

Mas Simonetta Vespucci possuía um outro célebre admirador, o qual garantiria que sua graça e encanto pudessem chegar até os dias de hoje: Sandro Botticelli, um dos maiores pintores da história de Florença e do mundo. A lembrança da beleza única de Simonetta e do sincero amor de Giuliano eram tão vivos em Botticelli que o pintor continuou a evocá-los em seus quadros mesmo anos após a morte dos jovens.

Vênus e Marte de Sandro Botticelli (National Gallery, Reino Unido). As feições dos deuses são as de Simonetta Vespucci e Giuliano de Médici. O quadro foi pintado em 1482, quatro anos após a morte de Giuliano e seis após a morte de Simonetta. Imagem: Wikipedia (domínio público).

No entanto, o quadro mais célebre de Botticelli, a sua obra-prima que tornou famosa em todo o mundo a beleza eterna de Simonetta Vespucci é O nascimento de Vênus, que está abrigado na Galleria degli Uffizi em Florença, cidade onde aquele fugaz amor ocorreu. Nele assistimos ao nascimento da deusa do amor e da beleza, Vênus, a qual surge das águas do mar por sobre uma concha, carregada pelo sopro dos ventos de primavera, fazendo renascer as flores e trazendo assim de volta a vida para a terra após o inverno:

O nascimento de Vênus de Sandro Botticelli, hoje na Galleria degli Uffizi. A deusa apresenta as feições de Simonetta, mesmo sendo o quadro pintado 9 anos após a sua morte. Imagem: Wikipedia (domínio público).

Não é difícil reconhecer nas feições da deusa da graça e do amor o semblante sem igual de Simonetta Vespucci. Uma beleza pura, singela, eterna, destinada a encantar para sempre o olhar de quem quer que a observe. Não deixe de contemplá-la, ainda que por alguns segundos, na sua passagem por Florença.

Por Yuri Borges Loyola

Artes Plásticas – Pinturas

Pablo Picasso
“A bebedora de absinto”,1901

Jacob Camille Pissarro
“Vase of Flowers,1902

Albrecht Dürer
Gravura em metal

André Derain (1880-1954)
“Le pont sur la Tamisa”,1906

Antonie Lodewijk Koster “Rijnsburg”, 1908

Andrew Wyeth – USA – Aquarela

Anita Malfatti – Brasil
The Lighthouse, 1915

Aristarkh Lentulov “Nizhny-Novgorod”
Rússia – 1882/1943

Arne Ekeland
Norwegian, 1908/1994

Almeida Prado – Brasil

Riccardo Mantero

Grafitti
autor desconhecido

Robin Maria Pedrera

Henri Matisse
Harmony in Yellow, 1927

Van Gogh
Café Table with Absinthe, 1887

Mikhaíl Lariônov
Soldado descansando,1911

Tatiana Iablonska, Manhã,1954

Xilogravura de Israel Asaluz

Léon Spilliaert – Bélgica
Self Portrait

Pintura de Cardoso Jr. 2020
Ceará

Alicia Scavino

Madonna e o menino: como a dupla divina inspirou artistas por séculos

Imagens da Madona e do Menino – um título que normalmente denota uma representação visual da Virgem Maria e de seu filho Jesus, estão entre os motivos mais elogiados da pintura.

Originalmente uma prática devocional antiga decorrente de crenças bíblicas, representar artisticamente essas figuras se tornou um tema central no cânone da história da arte.

Dada a sua longevidade, não é de admirar que a tradição tenha evoluído ao longo do tempo, culminando em uma série de obras que variam de ícones divinos a retratos realistas. Somente observando o papel do motivo ao longo da história é que é possível entender completamente seu significado – tanto na arte cristã quanto além.

Quem eram Maria e Jesus?

Segundo a crença cristã, Maria – uma judia galileana de Nazaré – foi escolhida por Deus para dar à luz seu único filho, Jesus. A Bíblia enfatiza o fato de que Maria era virgem, impregnada não por seu noivo, José, mas pelo Espírito Santo – um fenômeno que, segundo o Evangelho de Lucas, perplexa até a própria Maria.

“Como isso vai acontecer?” ela perguntou a Gabriel, um mensageiro arcanjo enviado por Deus para lhe contar as novidades. “Eu ainda sou virgem!” O anjo respondeu: “O espírito santo virá sobre você. . . e o poder do Altíssimo o obscurecerá. Por essa razão, o santo que nasceu de você será chamado Filho de Deus. ”

Maria concordou em levar, nascer e ressuscitar Jesus. Juntos, o casal está entre as figuras mais veneradas do cristianismo, não surpreendendo sua presença perpétua na arte.

A Madona e o Menino na História da Arte

ROMA ANTIGA

“Virgem e Menino com Balão, o Profeta”, na catacumba de Priscila, em Roma, no final do século II (Foto: Wikimedia Commons [Public Domain])

Como muitas outras tendências da história da arte, a Madonna (derivada do termo italiano para Nossa Senhora) e a tradição infantil remontam ao Antigo Império Romano.
O retrato visual mais antigo conhecido de Maria e do menino Jesus pode ser encontrado na Catacumba de Priscila, uma pedreira usada para enterros cristãos no final dos séculos 2 a 4. Esta catacumba é comemorada por suas antigas pinturas de parede e teto, incluindo uma coleção inspirada na Bíblia. Além das histórias do Antigo Testamento, incluindo a Encadernação de Isaac e o Juízo Final, os afrescos em sua Câmara Grega contam histórias do Novo Testamento – incluindo, é claro, o nascimento de Jesus.

A Catacumba de Priscila também provavelmente apresenta o retrato mais antigo conhecido de um anjo na história da arte. Juntos, esses “primeiros” o tornam um dos sites mais importantes da arte cristã.

BIZÂNCIO

Ícone da Virgem e Menino entronizados com santos e anjos no mosteiro de Santa Catarina, século VI (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Após sua estréia no afresco, Madonna e Child se materializaram como pinturas encáusticas (à base de cera) e tempera (à base de gema de ovo). Renderizados em painéis de madeira, esses ícones católicos romanos geralmente apresentam Maria e Jesus de rosto sombrio, sentados em um trono e ladeados por santos e anjos igualmente sérios. Eles eram predominantemente usados para adoração e estão entre as obras mais predominantes da arte bizantina.

EUROPA MEDIEVAL

Duccio, “Madonna e Criança”, ca. 1300 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Na Idade Média, os artistas adotaram a estética do ícone bizantino para criar seu próprio estilo de pintura em painel. Pintores italianos como Cimabue e Duccio criaram retratos temperados de Maria e Jesus, baseados no modelo bizantino – especialmente planos planos, poses sentadas e o uso de folha de ouro, um meio cuja popularidade diminuiu à medida que o Renascimento se aproximava.

BAIXO RENASCIMENTO ITALIANO

Filippo Lippi, “Madonna Com Criança e Dois Anjos”, ca. 1460-1465 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

No século XV, pintores e desenhistas italianos começaram a experimentar o realismo em seus trabalhos. Essa abordagem inaugurou o início do Renascimento, uma era de arte iluminada que durou de 1400 a 1490. Durante esse período, os artistas voltaram-se para os tempos antigos, culminando em um corpo de trabalho que evoca interesses clássicos. Enquanto muitas obras-primas do período – incluindo Primavera e O nascimento de Vênus por Botticelli – mantiveram o assunto mitológico preferido pelos artistas clássicos, algumas apresentam representações naturalistas de Maria (que parecia adotar poses mais engajadas) e Jesus (que começou a parecer mais bebê).

MÉDIO RENASCIMENTO

Jan van Eyck, “Madonna na Igreja” 1438 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Os ideais italianos gradualmente atravessaram o continente, culminando em um renascimento do norte. Sediado nos Países Baixos (Holanda e Bélgica), Alemanha, França e Inglaterra, esse movimento compartilha a preferência do Renascimento Italiano pela pintura realista. Em suas impressões sobre Madonna e Child, artistas como Jan Van Eyck e Robert Campin adotaram essa nova abordagem, resultando em trabalhos que mostram um senso avançado de perspectiva, métodos hábeis de pintura de figuras e um interesse radical em cenários terrestres.

Alto Renascimento

Rafael, “Madonna do Pintassilgo”. ca. 1505-1506 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Durante o Alto Renascimento (1490 a 1527), Michelangelo, Leonardo da Vinci, Rafael e outros artistas italianos levaram esse interesse renovado ao realismo a novas alturas. Não mais interessados em motivos mitológicos, eles mudaram seu foco para retratos encomendados, estudos anatômicos realistas e figuras bíblicas – incluindo Madonna e Criança cada vez mais pessoal e naturalista.

IMPÉRIO MUGHAL

“Folha Única da Virgem e do Menino”, 1600-1625 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

A Madonna e a Criança não apareceram apenas na arte ocidental – elas também serviram como musa na pintura de Mughal. Por que figuras cristãs clássicas apareceriam na arte indo-islâmica? De acordo com o Metropolitan Museum of Art, no século 16, “numerosos assuntos cristãos foram copiados por artistas indianos que trabalhavam nas bíblias, gravuras e pinturas ilustradas que foram levadas à corte de Mughal por missionários jesuítas e comerciantes europeus”. Além disso, as próprias figuras estão presentes de maneira proeminente no Alcorão e no próprio Islã; Acredita-se que Maria seja “acima de todas as mulheres da criação”, enquanto Jesus é visto como o penúltimo profeta e mensageiro de Allah.

FRANÇA NEOCLASSICA

William-Adolphe Bouguereau, “Madonna with Child”, 1899 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Essa iconografia permaneceu popular durante todo o período neoclássico, um movimento inspirado no senso de equilíbrio da arte clássica e no foco na figura humana. Enquanto pintores como William-Adolphe Bouguereau tentavam modernizar assuntos mais antigos – incluindo Madonna e Child, que ele imaginava figuras do século XIX em um ambiente estilizado -, seus contemporâneos já estavam elaborando interpretações cada vez mais avant-garde.

ARTE MODERNA E CONTEMPORÂNEA

Mary Cassatt, “Mãe e Filho (Oval Mirror)”, ca. 1899 (Foto: Wikimedia Commons [Domínio Público])

Na virada do século XIX, a impressionista Mary Cassatt, nascida nos Estados Unidos, subverteu sutilmente os critérios tradicionais de Madonna e Child com Mãe e Filho (The Oval Mirror). À primeira vista, esta peça encantadora se parece com muitos outros retratos maternos de Cassatt. O que diferencia a pintura, no entanto, são algumas referências particularmente discretas. “O olhar de adoração da mulher e o rosto doce e a posição contrária do menino sugerem imagens da Renascença Italiana da Virgem e do Menino”, explica o Metropolitan Museum of Art, “uma conexão reforçada pelo espelho oval que emoldura a cabeça do menino como uma auréola”.

Allan D’Arcangelo, “Madonna and Child”, 1963 (Foto: Wally Gobetz [CC BY-NC-ND 2.0])

Seguindo os passos de Cassatt, artistas modernos e contemporâneos adotaram e adaptaram o conceito de Madonna e Child. Em 1942, Marc Chagall criou A Madona da Vila, uma representação sonhadora de Maria e Jesus flutuando em uma fantasia. Em 1949, Salvador Dalí quebrou a familiar iconografia com A Madonna de Port Lligat. E em 1963, Allan D’Arcangelo deu um toque de pop art ao par com sua Madonna e Child, um retrato gráfico do “ícone” Jackie Kennedy e sua filha Caroline.
Além de mostrar seus próprios poderes criativos, esses artistas inovadores revelaram uma verdade importante sobre Madonna e Child: a iconografia milenar pode ser triunfantemente atemporal.

As Pinturas de Gustave Caillebotte

Gustave Caillebotte foi um pintor francês da segunda metade do século XIX.
Formou-se no curso de Direito em 1868.

Gustave Caillebotte nasceu na cidade de Paris
em 21 de fevereiro de 1848. Estudou na Escola de Belas Artes de Paris, aonde entrou em contato com vários pintores do Impressionismo.

É considerado um importante representante do Impressionismo francês nas artes plásticas.

Foi convocado para a Guarda Nacional e lutou na Guerra Franco-Prussiana.

Retratou, em suas pinturas, cenas cotidianas da vida urbana, com destaque para as pessoas e os cenários. Retratou também paisagens e cenas de interiores.

Atuou também como financiador das artes plásticas (mecenas), colecionador de arte, filatelista e projetista de iates.

Principais características do estilo artístico:
– Presença marcante, em suas obras, do realismo.
– Belo e marcante trabalho com a luminosidade nas telas.
– Usou, em grande parte de suas pinturas, a técnica de óleo sobre tela.
– Teve influência da fotografia e de pinturas japonesas.
– Usou também o recurso da perspectiva profunda e do ponto de vista alto.

Principais obras:

– Rua Parisiense, Dia Chuvoso (1877)
– Os jardins (1875)
– A ponte da Europa (1876)
– Baigneurs (1878)
– Homem jovem à sua janela (1875)
– Boulevard dos italianos (1880)
– Skiffs no Yerres (1877)
– Os raspadores de chão (1875)
– Homem em uma varanda (1880)
– Veleiros sobre o rio Sena em Argenteui (1892)