Roger Robinson – Um paraíso Portátil

Um Paraíso Portátil
Roger Robinson

E se eu falar do Paraíso,
estou falando da minha avó
que me disse pra sempre carregá-lo
oculto comigo, pra que
ninguém soubesse além de mim.
Aí eles não podem te roubar, ela dizia.
E se a vida te bota na pressão,
traça seus cumes na algibeira,
cheire o pinho do perfume dela em teu lenço,
cantarola este hino no teu sopro.
E se tuas tensões são diárias, constantes,
segue pra um quarto vago – de pensão,
pousada ou casebre – pegue uma lâmpada
e despeje teu paraíso na mesa:
tuas areias claras, costas verdes, peixe fresco.
luze a lâmpada nele como a esperança fresca
da manhã, e olhe vidrado até você dormir.

Pintura de Léon Spilliaert, Digue et plage, 1907
Encre de Chine, lavis et crayons de couleur sur papier

Fatos & Fotos – O olhar de fora da bolha Coluna atualizada durante o dia todo e durante todo dia.


Trump cita Brasil e diz que, ‘se tivéssemos agido assim’, EUA teriam 2,5 milhões de mortes a mais glo.bo/2A5qQmr


#Trump já pode ser incluído na lista de “marginais, terroristas,desocupados e maconheiros”? Além, claro, de estar a serviço do #comunismo internacional?


Escultura de Marc Perez


Embalando o almoço desta sexta-feira com Arcangelo Corelli – Sonate da Camera a tre, Op. 2 Rome, 1685


Léon Spilliaert; pinturas escuras,
mas animadoras I

O artista belga sofria de insônia e muitas vezes passeava pelas ruas sozinho. Suas pinturas encontraram beleza e luz da escuridão, escreve Cath Pound.
As obras misteriosas e enigmáticas de Léon Spilliaert habitam um mundo subterrâneo crepuscular entre a realidade e o sonho. Era um reino que ele conjurou após os passeios ao luar que tomou para acalmar sua inquietação induzida por insônia.

Na calada da noite, ele refletia sobre as questões filosóficas que o preocupavam: a criação do mundo, as relações entre os sexos e o destino final do homem. Seus pensamentos seriam transformados em retratos fantasmagóricos de sua cidade natal, Oostende, naturezas-mortas nas quais os objetos têm uma vida misteriosa e uma série de autorretratos extraordinários nos quais o artista belga se metia profundamente em sua própria alma.


Porque estamos vendo a história diante dos nossos olhos, através de todas as capas, depois de todos os mortos que não verão o novo normal. Aliás, não tem nada de normal, e provavelmente nem de novo.


Lucie Schreiner


A ignorância no Beasil é um vírus mutante em velocidade exponecial.O Governo,na velociade do Usain Bolt corre para entrar na segunda onda da Covid-19,quando ainda está atolado na primeira onda da epidemia.Um presidente negacionista e sem Ministro da Saúde. Genocídio.


Embalando esta manhã de sexta-feira com Choro das 3
Ave Maria no Morro


Em 2006, Hugo Chávez defendeu armar
1 milhão de venezuelanos


Henri Lebasque 1865/1937
Jeune femme au châle


Amanheci hoje muito Chico;
“Quero lançar um grito desumano
Que é uma maneira de ser escutado
Esse silêncio todo me atordoa
Atordoado eu permaneço atento
Na arquibancada pra a qualquer momento
Ver emergir o monstro da lagoa”
Pintura de #Oswaldo #Guayasamin

 


George Laurence Nelson – American 1887/1978


Design Gráfico


Goro acusa #PGRdoB de politizar #inquérito.
Hahaha. Ironia poética.


Da série:”Ao fim e ao cabo não irá sobrar nada.
Nem a ira nem o choro”.

#MeioAmbiente #Ecologia #Desmatamento #AquecimentoGlobal #EfeitoEstufa #CO² #Florestas #Poluição #MudançasClimáticas


Da série: Monalisas XXVI

Léon Spilliaert; pinturas escuras, mas animadoras

O artista belga sofria de insônia e muitas vezes passeava pelas ruas sozinho. Suas pinturas encontraram beleza e luz da escuridão, escreve Cath Pound.
As obras misteriosas e enigmáticas de Léon Spilliaert habitam um mundo subterrâneo crepuscular entre a realidade e o sonho. Era um reino que ele conjurou após os passeios ao luar que tomou para acalmar sua inquietação induzida por insônia.

Na calada da noite, ele refletia sobre as questões filosóficas que o preocupavam: a criação do mundo, as relações entre os sexos e o destino final do homem. Seus pensamentos seriam transformados em retratos fantasmagóricos de sua cidade natal, Oostende, naturezas-mortas nas quais os objetos têm uma vida misteriosa e uma série de autorretratos extraordinários nos quais o artista belga se metia profundamente em sua própria alma.

“Havia algo nesse isolamento e solidão que claramente ele estava atraído. Ele parece ter se deleitado com a criatividade que despertou nele ”, diz Adrian Locke, co-curador da exposição da Royal Academy em Londres, que levou o trabalho de Spilliaert a uma audiência britânica pela primeira vez (a galeria agora está temporariamente fechada – mas há um tour virtual da exposição aqui.

O mar é uma presença constante no trabalho de Spilliaert, como Woman at the Shoreline (1910); sua corrente inquieta espelhava a turbulência interna do pintor

Ostende à noite ou na nebulosa luz etérea do amanhecer daria sua inspiração perfeita. Do farol às galerias reais, ele passeava pela orla marítima, que o anoitecer deixara sem presença humana. Sua busca existencial foi ampliada por seu profundo envolvimento com a filosofia alemã e a literatura simbolista. “Como Nietzsche, ele sente que, quando anda imperturbado pela vida normal, sua mente fica muito clara e seus pensamentos são mais puros, especialmente no inverno, quando Ostend estava tão sozinho”, diz Anne Adriaens-Pannier, especialista em Spilliaert, que co-curou a exposição.

O mar é uma presença constante, sua corrente inquieta espelha sua própria turbulência interior
Sua leitura de poetas e dramaturgos simbolistas o levou a acreditar que sonho e emoção podiam se refletir na paisagem. Oostende viria a incorporar o artista em momentos de melancolia. Em uma série de composições estranhamente desoladas, ele cria perspectivas extraordinárias que antecipam De Chirico. Os caminhos se afastam para destinos aparentemente ausentes. Em outros lugares, as cenas noturnas têm uma qualidade quase abstrata, na qual a luz parece emergir do nada e os edifícios adquirem curiosas qualidades antropomórficas. O mar é uma presença constante, sua corrente inquieta espelhando sua própria turbulência interior.

As obras misteriosas e enigmáticas de Spilliaert, como The Shipwrecked (1926), habitam um mundo subterrâneo crepuscular entre realidade e sonho

“É por isso que acho que ele gosta tanto de tinta preta – é um meio em que você precisa de muita água”, diz Adriaens-Pannier. Ela vê ligações inexoráveis ​​entre essa escuridão, a inquietação do mar e o estado mental perturbado de Spilliaert.

Mas, apesar da escuridão sombria e da qualidade estranhamente etérea, seria um erro ver essas obras como inteiramente sombrias. Spilliaert pode ter sido atormentado por dúvidas e incertezas e frustrado por sua falta de aclamação da crítica, mas nunca questionou o valor intrínseco de sua arte.

Ele está abraçando esses desafios de sua vida, em vez de apenas ser derrotado por eles – Adrian Locke
De fato, sua paleta limitada tem um efeito meditativo, que pode ser estranhamente calmante e até estranhamente edificante. “Você precisa ter luz para criar as trevas e precisa delas para dar o brilho da luz”, diz Adriaens-Pannier. Ela fica espantada com a escuridão que Spilliaert criou com camadas e mais camadas de tintas indianas, mas ressalta que “quando você olha de perto as obras, vê que, devido a essas muitas camadas, elas começam a brilhar.

Em suas pinturas de mulheres como The Absinthe Drinker (1907), Spilliaert retratava a solidão e uma independência e desafio subjacentes

Em obras como Promenade, Light Reflections ou Hofstraat, Ostende (ambas em 1908), ruas escuras são perfuradas pelo brilho de iluminações distantes. É como se, no meio de sua escuridão interior, Spilliaert estivesse constantemente procurando a beleza e a luz.

“Sinto instintivamente que ele está abraçando esses desafios de sua vida, em vez de apenas ser derrotado por eles”, diz Locke.

“Beleza sublime e sobrenatural”

Spilliaert também mostrou uma profunda consciência dos desafios que as mulheres enfrentam nos primeiros anos do século XX e parece ter entendido inerentemente as relações de poder que geram ansiedade, isolamento e dependência. Ele mostrou uma afinidade comovente com as esposas e pesadas esposas de pescadores, evitadas pela sociedade educada, que esperavam diariamente que seus maridos retornassem. “É estranho como ele lhes dá nobreza”, diz Adriaens-Pannier.A garota de A Rajada de Vento (1904) está se preparando contra os elementos – gritando mais alto que o vento

Há uma constante sensação de solidão e espera nas jovens que aparecem nas praias vazias. Mas uma autoconfiança subjacente e um desejo de independência também podem ser detectados. Spilliaert parecia acreditar que as mulheres finalmente teriam forças para superar os obstáculos colocados por uma sociedade patriarcal inflexível. Em nenhum lugar isso é mais evidente do que em The Gust of Wind (1904). Claramente influenciado por Munch, apresenta uma jovem garota, a boca aberta em um uivo. Mas longe de sofrer um trauma, essa garota está virando as costas para o mar tumultuado atrás dela, apoiando-se nos elementos. Ela pode estar gritando “mas está gritando mais alto que o vento”, diz Adriaens-Pannier. “Ela domina.”Obviamente, não havia como negar as frustrações enfrentadas por muitas mulheres na época. O assunto de sua extraordinária jovem mulher em um banquinho (1909) é cercado por uma aura brilhante, como se estivesse fervendo de energia, mas ela é obrigada a sentar-se diante de uma parede em branco, incapaz de perceber o potencial que se eleva dentro dela. No entanto, não podemos deixar de sentir que ela anseia por aproveitar o poder da luz que vem das janelas e quebrar as estreitas expectativas da sociedade sobre ela.

O fracasso do mundo da arte em apreciar sua visão única causou-lhe intensa ansiedade
A incapacidade de Spilliaert de ter seu potencial reconhecido pesou muito em sua mente. Embora sua leitura de Nietzsche o tenha levado a se ver como um artista ungido, o fracasso do mundo da arte em apreciar sua visão única causou-lhe intensa ansiedade. Ele enfrentou suas inseguranças e dúvidas de frente em uma série de autorretratos notáveis ​​que revelam uma intensa introspecção. “É bastante inflexível, o olhar dele”, diz Locke. “É como se ele quisesse ver através do externo o que está dentro”.A jovem mulher em um banquinho (1909) é cercada por uma aura brilhante, como se estivesse fervendo de energia

Retratando-se frequentemente com um choque elétrico de cabelos e anéis escuros sob os olhos, como se estivesse alucinando de fadiga, ele parece estar lutando com seus demônios interiores e com a privação do sono, a fim de descobrir uma compreensão mais profunda de si mesmo. Em Auto-retrato diante de um espelho (1908), seu rosto fantasmagórico e parecido com uma máscara parece ter entrado em outro mundo cuja existência só ele próprio tinha consciência.

Nesse mundo subterrâneo noturno que se materializou no estúdio que ele ocupava na casa de seus pais, não foi apenas a paisagem que assumiu um poder subjetivo. Aqui, objetos inanimados também “sugerem existências silenciosas obscuras às quais ninguém presta atenção”, escreveu o crítico Franz Hellens em 1912Em seus auto-retratos, como Auto-retrato (1907), ele parece estar lutando com seus demônios interiores

Os frascos e caixas de presente de seu pai perfumista assumem um charme misterioso, como se escondendo alguma verdade interior profunda.

“Ele era fascinado por objetos que não tinham vida nobre”, diz Adriaens-Pannier. Talvez essa fosse a maneira de Spilliaert demonstrar respeito por coisas que, como ele, eram subestimadas ou ignoradas.

Em seu quarto, sem dúvida um lugar em que ele passou muitas horas inquietas antes de sair para as ruas de Ostende, ele foi inextricavelmente atraído por uma humilde tigela azul. Ele lhe confere uma qualidade luminosa efervescente, quase como se estivesse prestes a começar a pairar por conta própria. A tigela é iluminada pela lâmpada brilhante do farol que brilhava sobre as águas turbulentas do mar do Norte. A lâmpada giratória teria deixado seu quarto na escuridão por muito mais tempo do que na luz, mas Spilliaert aproveitou o momento em que esse objeto ignóbil brilhou e lhe deu uma beleza sublime e sobrenatural. Como o próprio Spilliaert, estava esperando aquele breve momento de iluminação que irrompeu na escuridão.

Literatura,Poesia,Cultura,Filosofia,Frases,Blog do Mesquita (9)

Guilherme Pavarin – Farol do sono

Farol do sono
Guilherme Pavarin

lua oculta, novo enigma:
entre os calos das falhas
as valas das dúvidas
desacatam o agora

na forja das grutas
cubro com dorflex e saliva
a coceira de lapidar
uma nova pedra bruta

hoje não há saída:
vedam-se os vagões
o aquário das intuições
partidas, bebidas

amanhã — torço —
os trilhos estarão a postos
um farol iluminará o fosso
a bússola virá como sopro

que a noite germine o ócio
da carne, cresçam os ossos
e o impensável
se torne óbvio

Foto de Gilbert Garcin

As máscaras da pandemia no olhar da arte

Das mídias sociais à arte de rua, as máscaras estão surgindo em todos os lugares.

Deborah Nicholls-Lee encontra imagens em todo o mundo refletindo o que está acontecendo agora. Uma foto de perfilcom a boca coberta recebe os visitantes da página do Instagram da designer visual cipriota.

O artista do mash-up pegou uma tesoura virtual e cola em sua própria imagem e sobrepôs uma máscara cirúrgica azul brilhante a uma fotografia monocromática.

Corona Lisa, de Hayati Evren, tornou-se um meme estampado em sacolas e canecas (Crédito: Hayati Evren)

O artista brincalhão, que mexe com obras de arte há quase uma década, é mais conhecido agora por sua atrevida Corona Lisa, que bebe uma cerveja Corona através de uma máscara facial perfurada. Juntamente com a versão teetotal de Antonio Brasko, com sede em Oregon, o meme se espalhou das mídias sociais para camisetas, bolsas e canecas. The Persistence of Corona, a reformulação de Evren de uma obra icônica de Salvador Dali, coloca a máscara no centro do palco novamente, desta vez cercada por outros apetrechos de gerenciamento de coronavírus: desinfetante para as mãos, luvas de borracha e colônia de limão – um desinfetante tradicional na Turquia.

Desde o surgimento do Covid-19, a máscara – o emblema da pandemia – alimentou a criatividade de artistas em todo o mundo, assumindo várias formas, de memes engraçados a declarações sérias. Obrigatória em alguns países e inicialmente desencorajada em outros, a máscara é objeto de controvérsia: símbolo de censura e separação, mas também de cuidado e proteção.Uma paródia de Garota com brinco de pérola de Johannes Vermeer, A garota de Banksy com um piercing no nariz foi recentemente atualizada com uma máscara (Crédito: PA)

Embora a mídia social tenha sido o playground de artistas digitais como Evren, a rua também se tornou uma galeria de máscaras. Recentemente, os lábios gentilmente separados da garota de Banksy com um piercing no nariz foram escondidos durante a noite atrás de uma máscara protetora de tecido. O mural gigante, um riff de Girl With a Pearl Earrings, de Vermeer, mas com um alarme de segurança para um piercing, apareceu pela primeira vez em Albion Dock, em Bristol, em 2014. Se o gesto foi um ato de preservação amoroso ou o escárnio cômico de nossos medos, Banksy negou qualquer envolvimento.Hijack doou 100% dos lucros de seu Pandemonium impresso para a Global Foodbanking

No bairro de Pico-Robertson, em Los Angeles, o grafiteiro Hijack recentemente pintou com spray duas figuras mascaradas em macacões com detergente em spray, um espanador de penas e um aspirador de pó como armas contra o vírus – um comentário irônico, sem dúvida, sobre a nossa impotência . “Em tempos como esse, a criatividade pode nos ajudar a lidar com … uma crise como a que estamos enfrentando”, diz ele à BBC Culture. “A peça em si é mais uma observação do nosso estado mental atual. Parece que estamos travando uma guerra contra um inimigo invisível, deixando alguns de nós em pânico. Eu queria transmitir isso da maneira típica do Hijack. ”

Esse pânico, sugere o fotógrafo alemão Marius Sperlich, às vezes pode ser cego. Sperlich, cujo trabalho normalmente explora de perto o corpo humano, tem os olhos, ouvidos e boca de seu modelo cobertos por máscaras cirúrgicas brancas em uma fotografia recente intitulada Isolation. Comentando a postagem no Instagram, ele escreve: “Nossos sentidos foram restringidos, estamos isolados e com medo, incapazes de pensamentos racionais”.

O retrato de Zabou do grafiteiro de Nova York BK Foxx, Born to Paint, foi criado em 2019, mas teve ressonância especial este ano (Crédito: Zabou)

Embora os novos trabalhos estruturados em torno do meme da máscara tenham se multiplicado, as peças existentes com máscaras também ganharam novos públicos. O retrato de 3m² de Zabou do artista de rua BK Foxx usando sua máscara respiratória trouxe cor à Brick Lane de Londres no início de 2019, mas o mural do artista francês adquiriu um novo significado durante a pandemia, e agora é visto como uma imagem icônica da crise. A máscara, Zabou disse à BBC Culture, agora se tornou parte de nossas vidas diárias. “Representa uma ferramenta de ação e proteção – e às vezes sobrevivência – contra o vírus, e é por isso que as máscaras podem ser uma imagem poderosa neste contexto.”

Homenagens ao NHS de Rachel List – que pinta seus murais à mão livre, em vez de usar estênceis – foram compartilhadas em todo o mundo (Crédito: Rachel List)

Em alguns casos, o poder da imagem da máscara facial atraiu artistas menos conhecidos para os holofotes e transformou os heróis em humildes. Rachel List, de 29 anos, de Pontefract, em West Yorkshire, marcou seu mural gigante de máscara com #itwasntbanksy para terminar com as especulações que começaram quando suas séries anteriores de pinturas na parede de uma pequena enfermeira de desenho animado do NHS em uma máscara facial tendiam no Twitter.

O que chama a atenção na máscara é que você não consegue ver o sorriso das pessoas. Traz o foco de volta aos olhos, o que o torna realmente expressivo – Rachel List
List, que ganha a vida pintando murais nos quartos das crianças, viu seu trabalho secar desde o fechamento, mas uma comissão por uma faixa de agradecimento do NHS para um pub local levou a uma série de pedidos de seus tributos alegres ao serviço de saúde. List está distribuindo impressões para 500 trabalhadores do NHS e angariando fundos para o NHS e o Hospice Prince of Wales através de leilões de seu trabalho. “Para mim, o que chama a atenção na máscara é que você não consegue ver o sorriso das pessoas. Traz o foco de volta aos olhos, o que o torna realmente expressivo ”, ela diz à BBC Culture.

Tom Croft pintou um retrato da enfermeira de A&E Harriet Durkin gratuitamente depois de postar nas redes sociais (Crédito: Tom Croft)

O pintor de retratos de Oxford, Tom Croft, também usou suas habilidades como artista para reconhecer o sacrifício que está sendo feito pelos profissionais de saúde durante a crise. Quando a pandemia o deixou lutando para encontrar um objetivo em seu trabalho, ele decidiu oferecer um retrato gratuito ao primeiro trabalhador do NHS a contatá-lo. Harriet Durkin, uma enfermeira de A&E da Manchester Royal Infirmary, logo foi imortalizada em óleos em EPI completo, com sua estrutura central robusta da máscara facial 3M. Usando a hashtag #portraitsforheroes, Croft convidou outros artistas para participar da iniciativa e formar parceria com os funcionários da linha de frente.

Os sentimentos de Croft sobre a máscara são ambivalentes. “A máscara protege, esperançosamente, mas também cria uma barreira entre paciente e profissional de saúde e afeta a conexão humana com a qual estamos acostumados, que é uma grande parte dos cuidados”, disse ele à BBC Culture. “Só vendo os olhos, é muito mais difícil ler a expressão facial abaixo. Eu entendo que isso pode causar ansiedade adicional para os pacientes. ” Croft planeja produzir um segundo retrato de Harriet com seu EPI, relaxado e sorrindo em casa. “Eu senti que era importante descrever os dois lados para ela, para dar uma imagem mais completa de quem está por trás da máscara que presta os cuidados”, diz ele.

A artista britânica Rowena Dring bordou rostos em máscaras de lona, ​​incluindo The Amsterdammer, na foto (Crédito: Rowena Dring)

“Uma das piadas entre meus amigos é que eu apenas girei minhas habilidades”, diz a artista Rowena Dring, de Amsterdã, que também viu a pandemia como um chamado à ação. A abordagem ambidestro de Dring, que se baseia nas habilidades tradicionais de artesanato para re-contextualizar a costura e a pintura, deu uma nova virada quando ela uniu função e arte para responder à falta de máscaras faciais.

“Eu sou um criador: alguém que responde a situações criando coisas”, ela diz à BBC Culture. “Pesquisei com muito cuidado os materiais que usei com a ajuda de um médico, mas, ao mesmo tempo, queria fazer as pessoas rirem.” O resultado foi uma coleção cada vez maior de máscaras de lona de algodão com cera de abelha, bordadas com bigodes encaracolados, barbas desgrenhadas e sorrisos. À medida que os novos designs saíam de sua oficina improvisada em casa, eles eram enviados para amigos e familiares ou vendidos para clientes on-line. “Gosto dos sorridentes”, diz ela. “É muito engraçado ir ao supermercado com eles”.

A máscara também influenciou o design de moda. Em abril, a estilista nigeriana e estilista de celebridades Tiannah Toyin Lawani criou uma roupa mascarada deslumbrante para aumentar a conscientização sobre o vírus. Lawani agora tem uma equipe de alfaiates trabalhando em sua casa em Lagos – onde as máscaras agora são obrigatórias – fazendo máscaras incrustadas de jóias com tecidos africanos para venda ou doação.Max Siedentopf pediu desculpas por causar qualquer ofensa à sua série, argumentando que seu objetivo era inspirar outras pessoas a “ver as coisas de uma perspectiva diferente” (Crédito: Max Siedentopf)

As máscaras faciais caseiras foram a inspiração por trás de uma série de fotografias explícitas produzidas pelo artista visual namibiano-alemão Max Siedentopf em sua polêmica série Como sobreviver a um vírus global mortal. “Comecei a ver on-line todos os tipos de máscaras de bricolage para proteger contra o vírus que eram feitos de objetos domésticos comuns”, diz ele à BBC Culture. “No meio desta crise, eu queria me concentrar na criatividade dessas máscaras e em como, através de uma barreira ou problema, você ainda pode encontrar soluções inteligentes e criativas”.

Criticadas por serem insensíveis e enganosas, as imagens assustaram alguns e inspiraram outros. Mas observando pelas asas, Siedentopf ficou impressionado ao ver fotografias de pessoas replicando as máscaras da série. “Gostei de como a arte imitava a vida e, em seguida, a vida imitava a arte e se tornou um círculo completo”, diz ele.

Tatsuya Tanaka usou máscaras na entrada de 31 de março de seu Miniature Calendar (Crédito: Tatsuya Tanaka)

No Japão, a máscara facial tornou-se um item doméstico e chegou ao intrincado trabalho da miniatura japonesa Tatsuya Tanaka, que combina objetos do cotidiano em tamanho real com figuras humanas de 2 cm de altura. Desde 2011, Tanaka libera imagens diárias como parte de uma série em andamento do Miniature Calendar. Em 31 de março, uma foto de pequenos surfistas usando máscaras foi publicada com a legenda “superamos muitas dificuldades”. O motivo da máscara reapareceu em 1 de maio, quando Tatsuya divulgou a imagem de um médico mascarado fazendo uma consulta em vídeo em um computador com chocolate.

Com muitos países em confinamento, os itens domésticos comuns estão ressonando com os artistas e o público mais do que nunca. “Tornar o que você vê casualmente na vida cotidiana diferente – chamado de ‘mitigar’ no Japão – torna a vida cotidiana divertida”, disse Tatsuya à BBC Culture. “Eu usava máscaras diariamente no Japão desde antes da crise. Não é incomum, mas recebi muita atenção por causa da crise da corona [vírus], então fiz disso um motivo ”, diz ele.

A micro-arte de Hasan Kale inclui profissionais de saúde pintados em uma máscara e analgésico (Crédito: Hasan Kale)

O trabalho do micro-artista turco Hasan Kale também força uma reavaliação de objetos familiares. Prendendo a respiração para firmar a mão, ele pinta retratos e paisagens com minúsculos estranhos, como cabeças de palitos de fósforo e sementes de maçã, transformando-os no que ele chama de “cápsulas artísticas”.

As telas recentes de Kale incluem uma pastilha de paracetamol e a válvula de uma máscara cirúrgica, ambas pintadas com imagens de profissionais da saúde mascarados como sinal de gratidão pelo serviço prestado à sociedade. Uma inspeção cuidadosa do tablet revela que as máscaras não impediram seus usuários de comunicar uma mensagem microscópica em nome do artista. “Vimos o mal que fizemos ao mundo”, diz Kale. “O coronavírus é uma oportunidade para melhorarmos”.